Category Archives: アドリブのコツ

こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

今回のテーマは

【楽器奏者にこそ気付いてほしい

　言葉の持つリズムの話!?】です。

今回の内容は、

近日に発売予定の電子書籍教則本

【リズム感コンプレックスを

　やっつける３つの方法】

の一部を先取りで公開していきます！

それではどうぞ！

ボーカリストにはいつも共感して頂けるお話。

でも、楽器奏者にはいつも

？な顔をされてしまうお話。

それが、

【言葉自体の持つリズムのお話！】

「歌もの」と呼ばれる、

多くの「歌詞の付いた楽曲」達。

(反対に、楽器だけの曲を

　「インスト」と呼びます。)

これらの楽曲でアンサンブルするときに、

ボーカリストと楽器プレイヤーの間には、

どうしても音楽に対するスタンスに、

溝が生まれてしまうことが多いです。

でもやっぱり

「楽器プレイヤーも

　歌詞を覚えた方がいい！」

言われてみれば当たり前なのですが、

意外と、というかほぼ１００％に近い

楽器プレイヤーが取り入れていない、

とっても根源的で重要な基礎練習だと思います。

実は、ボーカリストとして

ステージに立とうとすると、

まず初めに出てくる難関が、

『歌詞の暗記』

いいボーカリストになればなるほど、

いい意味でカラオケ感覚から抜けて、

表現に重点を置き始めるので、

やはり歌詞は血肉になるまで暗記しないと

いい歌は歌えない！

と、本能的に気付いていきます。

でも、一部の天才的な記憶力を

持った人でない限り、

なかなか歌詞は覚えられない！

（余談ですが、台本を覚える

　役者の人たちも

　同じ苦労を抱えているらしい。）

そこで、苦労して覚えていくわけです。

その結果、ある曲の歌詞が

体に完全に入った時に、

自然と2つの表現力を手に入れています！

１

歌詞自体の持つリズム感を

感覚で掴んでいる！

２

歌詞の持つ世界観の中に

一瞬で入り込める！

２の方は、割と

イメージしやすいと思います。

いい小説を読んでいると、

いつの間にかその世界に

入り込んでいる感覚。

いいボーカリストは、この感覚に

まさに一瞬で入り込むことができるのです！

逆に、楽器プレイヤーは

こういう世界観ではなく、

コードやメロディなど

割と譜面にかき表しやすい、

数学的な世界で音を構築しています。

（だから全体として

　バランスがよいとも言える。）

そして、１なのですが、

いわゆるドラムが出しているような

「ビート」ではなく、

歌詞の韻や、抑揚自体が持つ、

歌独特の大きなリズム感というのがあります。

これを、いいボーカリストは

自然と会得しているのです！

なので、カッチリではない、

どちらかというと小節をいっぱいに使って

レイドバックしたような大きなノリで歌えます。

続きは是非電子書籍で！

それでは、今日も一日

ガツンとグルーヴさせていきましょう！

今回は【真面目で勤勉な賢い人ほどアドリブができない！？】というお話。

「音楽理論苦手」
「よくわからない」
「難しい」
と悩んでしまっている方、
もしかしたら音楽理論の勉強の仕方が悪いのかもしれません。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして行きます。
回数は未定です。

前回の第二回目では

アドリブが出来ないと思い込んでいる方へ
・自分のアドリブ演奏を動画で撮影してメールで送ってみてください。
・必ず「なぜ出来ないと思うのか？」「出来ていると思える点」を明記してください。
・分からない部分は「分からない」で構いません。
・そこまで行うと自分の中で問題点が明確になり、多くの発見をすることが出来ます。
・そこまできて初めて適切な改善案を他者の口から聞くことが出来ます。

という内容をお送りしました。
YouTubeの「限定公開」を利用すれば、
見せたい人にだけ見せることが出来ますので、
演奏動画まだまだお待ちしておりますよ。

早速送ってくださった方がいて嬉しい限りです♪
返信はもう少々お待ちください。

さて、
第三回目は
【音楽理論は必ず、音と一緒に覚える】

音楽教室に携わっているので、
真面目で勤勉な賢い人ほどアドリブができない！？
という光景を目の当たりにする機会があります。

まず、先に断っておきますが、
真面目で勤勉な賢い人でもアドリブが出来る人はいっぱいいます。
むしろそういう人がこの最初の壁を取っ払えると
非常に速いスピードで上達して行くことになります。

では
真面目で勤勉な賢い人が陥りやすい落とし穴とは？

それは、
「自分のフィールドに持って帰って理解しようとする」ことです。

真面目で勤勉な賢い人には
今までの人生の様々な問題を解決してきた
「自分なりの方程式」や「オリジナルメソッド」、
「マイフレームワーク」のようなものがあります。

そういうもので理解することで、
自分なりにシンプル化し、高速で落とし込むことが出来ます。

良くも悪くも理論的なやり方です。

しかしながら、音楽、特にアドリブに関しては
そのやり方は非常に相性が悪いです。

「自分のフィールドに持って帰って理解しようとする」
これをもっと端的に言うと

机の上でノートに書いて理解して覚える。
というような行為。

もちろんそれも悪いことではありません。
時にはそんなことも必要です。

しかし、ここで今回のポイントがまた出てきます。

「音楽理論は必ず、音と一緒に覚える」

音楽理論はとても便利な道具です。

しかし、そもそもそれは何を表しているのか？
それは「音」ですよね？

そう、ノートの上には絶対に存在しないものです。

譜面に記されている音楽を演奏するのであれば、
机の上の楽譜上でもある程度の理解は出来ますが、
ことアドリブになるとそれは通用しません。

アドリブで使える音楽理論は
耳で聞いてハーモニーやメロディを感じ
身体を使ってリズムを感じて覚えるものです。

理論といいながらも非常に感覚的なものです。

そして、タイム感が非常に重要になります。
閃きと瞬間的な判断とともにあります。
答えを出すまで待ってはくれないのです。

「自分には音感がないから」「リズム感がないから」
と机にかじりついて音楽理論でカバーすべく勉強してもダメなんです。

そこにある音を感じて覚えなくては
実践的な知識にはならないのです。

まとめます。

真面目で勤勉な賢い人が陥りやすいアドリブが出来なくなる落とし穴とは？

それは「自分なりの思考法で考えることが
アドリブ演奏に関しては通用しないということに気付かない」ということです。

頭の回転が速いと言われるタイプの思考法は
Webサイトの「キャッシュ」に似ています。

Webサイトにおける「キャッシュ」とは？
一度閲覧したサイト情報（画像など）は自分のブラウザに保存されます。
この保存された情報を「キャッシュ」といい、
キャッシュがあることで
もう一度同じサイトのページを閲覧した時に
同じ画像などの情報を一から読み込まないで済むので
瞬時にページが表示されるのです。

頭の回転が速いタイプの人はこれに近い形で、
一度導きだした答えに近いものは
いちいち考え直さないで過去の記憶から瞬時に判断している場合が多いです。

しかし、キャッシュに依存することで
ページが一新されているにも関わらず、
古い情報を見続けてしまうことにも繋がります。
（パソコンの場合は更新すれば新しいページになります。）

このように一度落とし込んだものを
自分の中で理解しているものとして気にも留めない

実はそんな部分に「出来ない理由」が隠されているのです。

通用しない思考法は手放してみてください。

そして、新しい思考法でアドリブのコツを掴んだら、
今度は逆にガンガン「キャッシュ」して高速化して
瞬間的なアドリブ反応に大いにお役立てください。

では今回はここまで！

次回は、「覚えることを絞る」というお話です。

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

さて、今回のテーマは

【いいシンガーが必ず持っている

　リズム感と才能とは！？】です。

今回の内容は、

近日に発売予定の電子書籍教則本

【リズム感コンプレックスを

　やっつける３つの方法】

の一部を先取りで公開していきます！

それではどうぞ！

いいシンガー、またはリードプレイヤーが

必ず持っている才能とは

「大きい歌のリズム」なのです。

さらなる結論としては

「いいリズム隊のもつ

　【スピード感のあるリズム】」

を歌いながら同時に感じられること！

まず、歌を歌うということは、

実は自動的にリズムを大きく捉えやすくなる

ということがいえます。

カラオケなどで、

普通の人が歌っているのを聞くと、

ほぼ100%大きいリズムで歌っています。

それは、

「リズムと言うより、

　歌詞の持つ抑揚に合わせているから」

なので、歌を歌う人は、

自然と大きなリズムを

感じやすい体質になっていきます。

ところが！

こうやって片方に振り切ると、

必ず反対側が問題になってくるのが

世の中の常。

大きいリズムで、

歌詞に寄り添った抑揚のみで歌う人は、

残念ながら細かくてスピード感のあるリズムは、

とっても感じづらくなります！

大きいリズムで歌うということは、

必ずその辻つまをあわせて、

どこかでリズムをバチッと

解決させなければなりません。

でも、このバチッと解決！

がほとんどのシンガーや

リードプレイヤーはできません。

ずっとズルズルのリズムのまま

一曲を歌い通してしまうケースが

後を絶ちません！

なので、シンガーやリードプレイヤーとは

反対側の役割である

「リズム隊のリズム感」を

身につける必要が出てくるのです。

と、ここまで解説すると、

「じゃ、ドラムやればいいんでしょ！？」

などと考える人が多いのですが、

実はその方法は

ほとんどの人にとって遠回りです！

なぜなら、よっぽど器用な人でない限り、

「ドラムを叩くことだけで精いっぱいになり、

　グルーヴに意識が行かなくなるから！」

他の楽器を始めるのも同じこと。

実は、リズム楽器を始めようとすると、

天才的に器用な人でない限り、

まずは楽器の習得自体に手間取り、

グルーヴに意識が行く前に

挫折してしまうのです！

なので、本当にドラム自体に

興味がある人以外は

安易にドラムを始めるのは止めましょう。

(それにドラムセットは高価だし、

　スタジオ代もかかる！　笑)

そこで、オススメなのが、

「ドラムを歌うこと！」

まずは好きな曲や

ドラマーの音源をよく聞き、

聞こえてきたまま歌ってみましょう！

足や手でカウントを取りながら

歌うとさらに◎。

リズムパターン〜フィルインまで、

とにかく気持ちよく歌えるようになるまで、

よく聞き、よく歌い込みます。

すると、

自然とリズムの落ち着きどころや

小節感覚が身についてきます。

グイグイ前進していく

リズム隊的スピード感のあるリズムも

段々イメージできるようになっていきます！

この段階まで来たらしめたもの！

普通に大きく歌いながらも、

細かくスピード感のあるリズムも意識できるので、

バチッと合わせるポイントが見えてきます。

この状態になると、

鼻歌を歌うだけでも

気持ちのいいリズムが

出せるようになります！

そして、

いいシンガーというのは、かなり高い確率で、

ボイスパーカッションが上手いです。

ボイスパーカッションという

本格的なものでなくても、

リズム楽器を歌わせると、

そこらへんのドラマーやベーシストより、

躍動的でウネるようなリズムを

歌いだしたりします。

このあたりからも、

いいシンガーはリズム隊の才能も持っている！

という事が言えるような気がします。

シンガーやリードプレイヤーの方は

是非参考にしてみて下さいね。

気持いいリズム感を手に入れ、

人生単位でご機嫌にグルーヴしていきましょう！

続きは是非電子書籍で！

それでは、今日も一日

ガツンとグルーヴさせていきましょう！

さて、今回は【音楽理論とうまくつきあって行く方法】というお話。

「音楽理論苦手」
「よくわからない」
「難しい」
と悩んでしまっている方、
もしかしたら音楽理論の勉強の仕方が悪いのかもしれません。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
今回から数回に分けてお話しして行きます。

第一回目は

【前提の意識を変える。】

まず、大前提として、
音楽理論に苦手意識や嫌悪感を持っている方にお聞きします。

「なぜあなたは音楽理論を学ぶ必要があるのですか？」

バンドメンバーに言われたからですか？
知っていないといけないからですか？
知ることで自分の演奏の幅が広がる気がするからですか？

結論から言うと
音楽理論は覚えた方が良いです。
知れば知るほど考え方がシンプルになり、より自由になるので。

ですが、
嫌々仕方なくやらされて苦痛を感じながら
覚えるほど大切なものでもありません。

「難しい」と思っていれば思っているほど
本当に難しいものになってしまいますし、

嫌だなと思えば思うほど、
頭が覚えることを拒否します。

学生時代に苦手科目があった人は
あの時間帯の苦痛を思い出してください。
元々その科目に興味がないのに、ますます頭に入らないですよね

学生時代の学習は自分の進度とは無関係に
教育カリキュラムに乗せられて、テストの点や成績など数字に表されて
他人と比べられることを余儀無くさせられていたので、
どんどん悪いスパイラルに入って行きますが、

趣味などで音楽をやっていらっしゃる方の音楽理論学習は
ほとんどが自主的なものなので、ある程度ペースはコントロール出来るはずです。

「バンドメンバーにせかされて」とか外側からの要因もあるでしょうが、
自分自身が必要性を感じていないものに情熱は注げません。

そうやって自分のことをせかすバンドメンバーや人がいるなら
その人に「音楽理論を覚えずにはいられなくなる楽しい楽しい魔法のようなプレゼン」
をしてもらって音楽理論の魅力を教えてもらってください。

おそらく多くの「せかす人」は
「知ってるのが普通だから」とか「知ってないと恥ずかしいから」
というような理由しか説明できないのではないでしょうか？

そのような人もまた、嫌々苦労して覚えてきた人かもしれませんね。

「音楽理論苦しい」の負の連鎖が続くだけです。

今回の話をまとめます。

・音楽理論は覚えた方が良い
・でも苦しんで覚えるほどのことでもない
・「難しい」「苦しい」と思えば思うほど頭が拒否して覚えられなくなる
・せかす人もまた苦しんで無理して覚えた可能性がある

音楽理論は
必死で追っかけないと
逃げて見えなくなってしまうようなものでもなければ
次々と襲ってくるようなものでもありません。

ただそこにあるだけです。

「音楽理論は頭の中を整理整頓するための知識」程度にとどめて、
楽しみを感じながらマイペースにやってみてくださいね。

では今回はここまで！

次回は「音楽理論は必ず、音と一緒に覚える」です。

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回のテーマは【最高の同僚＆バンドメンバーの見つけ方！？】です。

実はこの記事は僕のツイッターで
行っている連続ツイートシリーズの一部。
(斉藤彰広のツイッターアカウントはこちら
https://twitter.com/saitoakihiro)

かなり反響があったので、
改めてシェア致します。

(1)仕事の人間関係が上手くいかない…。
バンドメンバーといつもケンカしてしまう…。

そんな人が結構僕の周りにもいらっしゃいます。

人間が一番ストレスを感じるのは、
他でもない人間関係だ！
という研究結果もあるようなので、
なかなか重大な問題です！

(2)よく、自分と一番親しい人たち5人をあげて、
彼ら、彼女らの年収を割って平均を出した数字が、
あなたの現状の実力であり、あなたの年収だ！
なんて話があります。

これ自体をそのまま鵜呑みにする必要はありませんが、
あながち間違いじゃないという感じも個人的にはします。

(3)なぜなら

【人間関係は自分が変わると勝手に良くなるから！】

これは僕自身の実感からもそう思います。

数字が分かりやすいから、
あえてこんな比較をしてみます。

客観的に見るとやはり
年収2〜3百万円の人は
同じくらいの人たちと集まります。

5〜7百万の人も同じ。

もちろんそれ以上も同じ。

(4)誤解がないように先に言っておくと、
僕自身は年収が低いから、高いから
良い、悪い、と短絡的には考えていません。

個々人それぞれで気持ちいい範囲があり、
そこにいるのが一番いいと思うからです。

その上で客観的に見ると、
同じような数字の人たちが
同じような場所で、
同じように集まります。

(5)そして、
なぜこんな事に気付いたのかというと、
「楽器のスキル＆人間性のレベルが
　同じような人がバンドメンバーとして
　集まりやすい！」

という傾向を、
アマチュアの頃から感じていたからです！

考えてみれば当たり前で、
上手い人は上手い人と集まりたがります。

(6)逆に下手だと思っている人は、
やはり下手な人とやりたがります。

その心理を聴いてみたら
「上手い人はなんか怖いから」
だそうです。

でも、この気持ちわかりますよね！

コンプレックスがあると、
そこを見破られるのが怖いので、
上位の人には無意識に引け目を感じてしまうのも人情。

(7)また、上手い人で集まったら集まったで
さらに問題がおきます。

アマチュアで上手い人はなぜか変人が多い。(笑)

時間にびっくりするくらいルーズだったり、
喧嘩早かったり、
急に情緒不安定になったり。

でも、いくら上手くても
あまりに人間性が劣っていると、
やはり仲間はいなくなります。

(8)そして
「楽器のスキルもピカ一で、
　かつ人間性もある程度高い人」同士で、
また集まるようになります。

後はこの繰り返し。

さらにスキルが高く、
人間性やアイデアが豊富な人同士が
自然と集まっていきます。

良い悪いのレベルではなく、
どうやら人間自体がそういう仕組みで
できているようです！

(9)ここまで見えると答えは簡単。

【人間関係を改善したければ
　自分のレベルを上げればOK!】

バンドメンバーと喧嘩ばかりしてしまう人は、
やはり自分が喧嘩早い。

会社の人間関係が上手くいかない人は、
やはり「やればできる」レベルの業績を上げていない。

(10)もちろん個人個人色々な事情があるので、
こんなに簡単に切り捨てられない問題も
目の前に転がっているかと思います。

でも、数年後に振り返ると
大抵は大した問題じゃなかったりします！(笑)

いやホントに。

(11)月並みな答えですが、
他人を変えるのは不可能なので、
自分のレベルを上げる事に集中すること！

根本的な人間関係改善の一手は
これが決定版！と
個人的に思うおっさんの頭の中でした。

以上連続ツイートまとめでした。
ピンときた方は是非参考にしてみてください。

またツイッターをやっている人は
是非僕のアカウントフォローして下さいね。

ほぼ毎日オススメ曲や動画、
連続ツイートなどお送りしています。

斉藤彰広のツイッターアカウントはこちら
https://twitter.com/saitoakihiro

合わせてどうぞよろしくお願いします。

ガツンとグルーヴさせていきましょう！

こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

今回のテーマは

【歌が上手い人がリズムがいい理由!?】です。

今回の内容は、

近日に発売予定の電子書籍教則本

【リズム感コンプレックスを

　やっつける３つの方法】

の一部を先取りで公開していきます！

それではどうぞ！

昔から、ミュージシャンの間では、

「歌の上手い人はリズム感がいい人だ！」

といわれ続けてきました。

日本だと、

山下達郎さんなどが代表格。

オリジナルナンバーでの歌唱はもちろん、

リズムギタリストとして

他の人のレコーディングに呼ばれるほどの、

腕とリズム感を持っています。

これ、僕自身も経験則から、

間違いない！ と思っていましたが、

最近になってその理由が

うっすらわかってきました。

それは、

「歌を歌える人は、

　メロディでリズムを捉えているから！」

ざっくり言ってしまうと、これが理由。

楽器からリズムに入った人は、

必ず「譜面」からリズムの分析に入ります。

譜面とにらめっこして、

「譜割り」を正確に確認し、

１拍がどういう風に割られていて、

どこにアクセントがあるのか！？

とにかく、数学的に、

全てを理屈で切り刻んで

リズムを解釈する癖がつきます。

もちろん、これが全て悪いという訳ではなく、

複雑な変拍子の組み合わせのリズムセクションや、

ポリリズムの様な、だんだんズレていく拍子などの、

特殊なものはこういうアプローチが有効です。

しかし、やはりリズムも音楽の一部！。

最終的には、感じるままに表現できて、

初めてグルーヴしだします！！

その点、歌の歌える人は、

リズムの解釈がはじめから違います。

まず、ドラムやパーカッションと言った、

メロディのない楽器ですら、

口で歌うことによって理解しようとします。

どんなサウンドも、

全て口で歌うことによって

感じるままに解釈するのです！

すると、不思議なことに、

だれに言われるまでもなく、

そのリズムの一番強調したいアクセントの部分や、

グルーヴの肝となる「リズムのウネり」などを、

見事に体得してしまいます。

それもこれも、

「リズムを譜面上の記号として捉える」

のではなく、

「リズムもメロディの一部として、

　大きい歌のリズムとして捉えているから！」

どうやら、これが全ての答えのようです。

また補足として、こういう風に、

まずはメロディとして

感覚的にリズムを捉えておいて、

その後にリズム楽器を実際にプレイし、

譜面上の理屈としても

リズムを解釈しなおすと、

さらに強力なリズム感を

手に入れられるようです。

逆にいうと、

この順番を間違えると、多くの人は、

精気のないリズムしかプレイできない

プレイヤーになってしまいます。

もちろん中には、

楽器から入ったにもかかわらず、

素晴らしいリズムを奏でる人もいます。

が、

そういう人は間違いなく歌が上手いです！

もしくは、歌うことに抵抗感を持っていない人です！！

やはり、歌とリズム感には

強力な相関関係があることが、

はっきり見て取れる結果が出た訳です。

やっぱり音楽は、

難しく考えずに楽しんだもの勝ち！

続きは是非電子書籍で！

それでは、ガツンとグルーヴさせていきましょう！

さて、今回は【ゴールが見えているか？】というお話。

先日講座でインストラクターの斉藤彰広が
「色々な手段を生み出せる人間はゴールから発想している」
と話していたことが印象的だったので、そのことについて
僕なりの考えを書きます。

目次
●自称クリエイターはクリエイティブではない？
●真のクリエイターはゴールを見据えている
●アドリブが出来る人、出来ない人の違い

【自称クリエイターはクリエイティブではない？】

自称クリエイター
つまり、「自分はアイディアマンでいろんなことが頭に浮かびます」
と言っている人の中で、
それが実際の役にたっていない「机上の空論」で終わっている人、
つまり想像だけしている人は
実はクリエイティブではないのです。
クリエイターを名乗るのは止めましょう。

どんなに下手でも不格好でも、
形にして表現した人、
つまり創造した人がクリエイターです。

スタート地点であれこれ
無いものをこねくり回す想像人と

今あるものでとりあえず形を作り
前進して行く創造人

大きな大きな違いがあります。

【真のクリエイターはゴールを見据えている】

なぜ創造人は想像人から抜け出し、
創造することが出来たのか？

それは、
「何でも良いからゴールを決めたから」です。

それが良いか悪いかもわからないし、
遠回りかもしれないし、
正反対に走ることになるかもしれない、
ゴールはイメージ通りでも、
結果がもたらすものは全然違うかもしれない。

未来のことは未だ来ないのだから
誰にも分からないのです。

「どっちいったって何が起きるかどうせ分かんないんだから、
ちょっくらこっち行ってみっか！」

と自分でゴールを決めて手段は後から考えるのです。

逆に、
「あれが起きたらどうしよう。こういう可能性もあるな～」
とか手段をいろいろ考えすぎてその場所から動かない人は
ずっと想像人なのです。

360°水平線しか見えない大海原で遭難し、
どっちに行くのも不安で、
ひたすら立ち往生し、
来るかも分からない救助をひたすら待つのです。
他力本願ですね。

そのときたまたま助かっても、
また違う状況で道に迷ったら、
またくるかわからない他人に依存しなければなりません。

かなり大きな話になってしまいましたが、
アドリブ演奏に関しても同じです。

ジャムセッションはむしろ
アクシデントの連続です。

同じ曲をやるにしても、メンバーや気分で
テンポ、リズム、メロディの癖、編成、構成
などがかわり、
毎回絶対一緒なんてことはまずありません。

必ず、アクシデントが起こる。
むしろその荒波をどうくぐり抜けるかを楽しむ。
そんな一面を持っているとも思います。

【アドリブが出来る人、出来ない人の違い】

アドリブが出来ない人は、
「自分はアドリブが出来ない」と思っているから出来ない人が大半です。

アドリブは誰にでも出来ます。
なぜなら、アドリブには傾向や美学みたいなものはあっても
正解は無いからです。

あなたや僕が演奏したその音が「アドリブ演奏」だからです。

「そんなのセンスがある人だからそうやって言えるんでしょ」
と言う人もいるかもしれませんが、
「センス」なんてのはやらない口実なんです。

センスは反復して実践して行くことで初めて養われるものです。

勘が鋭くてコツを掴むのが早い人はいますが、
そういう人だってやったことが無いことに関しては、
センスはないも同然です。

アドリブが出来る人と出来ない人の違いは

ゴールを見据え、そして結果を見つつ修正しながら
アドリブ演奏をし続けているか

目の前の条件や手段をあれこれと考えて何もしない、
もしくはちょっとかじってみただけで、
結果を恐れ、アドリブ演奏をしないでいるか

たったのその違いだけなのです。

たったのその違いが大きな大きな差になって行くのです。

今回はちょっと辛口になってしまいましたね。

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

読者のみなさんこんにちは！

FTJS！ジャムセッション講座運営事務局の畠山です。

さて、
今回は【上達の第一歩】というお話。

具体的な内容ではなく気持ちが楽になるようなお話です。

目次
●上達していないと感じた時、上達している？
●分からないことが分かるということ
●そこに意味付けをしない


【上達していないと感じた時、上達している？】

上達の第一歩とは何でしょうか？


そもそも「上達」とは
何かしらが「上（にレベル）に達する」ということ。


次のステップに行くには
必ずちょっと辛い時間差が生まれるのです。


それが、
「上達していないと感じた時、上達している」
という意味なのです。


つまり、
感覚的な部分の精度が高まってから、
技術が後追いで付いてくるのです。


それが上達の順番なのです。


分からなかったことが分かるようになることが
上達の第一歩なのです。



【分からないことが分かるということ】

例えば、僕なんかは
歌うと「ピッチが悪いよ」と良く言われます。

でも、正直分からないんですよね。
ずーっと分からなかったのです。

しかし、
最近講座や個人的に動画を撮影したり、
録音したりすることが増えて、
何度も何度も自分の歌を耳にしていました。

そうすると、
実際にどうすれば良いのかは分からないんだけど、
でも、「ピッチが悪いな～」と分かるようになってきたのです。

今までは気にも留めていなかったこと、
つまり、感度が鈍く感じ取ることが出来なかったことが
感じられるようになってきたのです。

これが、上達の第一歩です。

しかし、もっとも前に遡ってみると
誰も指摘してくれなかった時はそもそも
「ピッチが悪い」なんて思っていませんでした。
この頃は「分からないことが分からない」
という状態だったわけです。

この状態だといくら練習を重ねても
効果的な練習が出来るのはまぐれ当りとなり、
上達に時間がかかる、あるいは上達しない
というような哀しい状態になってしまいます。

なので、
発表をしてフィードバックを得ることや、
誰かの下で教わり、指摘を受けながら
「分からないことが分かる」ことができる環境を作ることが
上達を加速させることになります。

しかし、多くの人が
自分の出来ない点を知ることで、
自信をなくし、それを恐れてしまいます。

【そこに意味付けをしない】

「自分は○○ができない」
これは事実です。
それを知ることでしか、上達はまずありません。

しかし、多くの人はここに意味付けをしてまいます。
もしくは他人に意味付けをされます。

「自分は（あなたは）○○ができない。だからダメだ。」と

ダメなんてことは無いのです。

出来ないこと、知らないことがあってダメなら、
何も出来ない赤ちゃんからはじまる人生は
「ダメな状態からスタート」することになります。

「５年も楽器やっているのに、いつまでたってもリズムが悪くてダメ」とかも
５年の歳月の中でリズムを良くする方法に出会わなかった「だけ」の話です。

ダメなことなんて無いんです。

事実は事実、意味付けは尾ひれとして、受け入れられるようになると
自分の出来ないことに直視して向き合えるようになり、
真っ向勝負で弱点克服に向き合えるようになれる

かもしれません。

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

読者のみなさんこんにちは！

FTJS！ジャムセッション講座運営事務局の畠山です。

今回は【メロディが似ているもの、コードが似ているもの】というお話。

少し前までジャムセッションとは切り離せないもの
「テーマ演奏」について書いてきました。
自宅ですぐ出来るアドリブソロの基本練習
https://jamsession-web.sakura.ne.jp/?p=10541

今回はそれの補足的な内容です。


目次
●テーマは同じなのにコードは違うもの
●メロディとコードの関係性



【テーマは同じなのにコードは違うもの】

ずばりの話ですが、
ジャズボサナンバーの「ブルーボッサ」と
ゲイリームーアの「パリの散歩道」って
出だしのメロディ、一緒ですよね。
（もちろんキーやリズムは違いますが）

まぁメロディが同じなんて話は後が立たないし、
それをパクリだのなんだという話ではなく

単純に「セッションで遊べる！」ってだけの話です（笑）

最初二つのコードまでは一緒なのですが、
その後のコード進行が若干違うんですよ。

ブルーボッサはマイナーの２－５進行に行くのに対し
パリの散歩道はメジャーの２－５進行に行く
（理論詳しくない方はここは見なかった事にしておいてください。笑）

というかパリの散歩道のコード進行は
「フライミートゥーザムーン」と同じです！

そう、ジャズ初心者の間では
テーマがどっちがどっちだか分からなくなると良く言われる
あの「フライミートゥーザムーン」のコード進行と同じ（笑）

分からなくなると言われるが
ナンバリング（相対音、移動ドに同じ）的には違うんですけど。
ごちゃ混ぜになる人が後を絶たない。

でも、
フライミートゥーザムーンを演奏する機会がある時に間違えて
ブルーボッサのテーマを弾き始めちゃっても大丈夫！
そんな間違いをした時は
「パリの散歩道です！」と言い張れば万事OK（何が？笑）

メロディが似ている
ブルーボッサとパリの散歩道

コードが似ている
パリの散歩道とフライミートゥーザムーン

そして、
コードもメロディも違うのに雰囲気が似ている
ブルーボッサとフライミートゥーザムーン

この三角関係
なかなかにいいドラマになりそうです、、、

【メロディとコードの関係性】

とまぁ話はそれましたが、
コード進行のバリエーションはかなり限られてますので、
「メロディは違うけどコード進行は同じ」なんてことは日常茶飯事です。

そしてまた、その逆の
「コードは違うけどメロディは同じ」なんてこともまた良くある事です。

裏を返せば、
「何かしらのメロディに対してコード進行のバリエーションは結構ある。」

もっとシンプルに捉えるならば
「メロディとコードは切り離して考える事も出来る」

確かに、
コードを縫うようにメロディがハマっている
メロディを包むようにコードが支えているようなコンビネーションが
一番しっくりくる事は間違いないです。

しかし、全然違うコード進行に半ば強引にメロディを乗せてみると
意外とハマったりする事もあるのです。（笑）

作曲の観点や、聴感的には頂けない部分も出てくるかと思いますが、
アドリブ的な「遊び」としては全然いいと思ってみたりするわけです。

代理コードとかそういう理論的な考え方もぶっ飛ばして、
思いつきで引用メロディを演奏するのも面白いかと思います。

ぜひいろいろと試してみてくださいね♪

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

読者のみなさんこんにちは！

FTJS！ジャムセッション講座運営事務局の畠山です。

今回は【動画を撮るとわかること】というお話。

録音をすると自分の弱点が聞こえてきたりしますが、
録画をすると自分の弱点の原因が見えてくることがあります。

目次
●全体を撮影すると見えてくるもの
●アップで撮影すると見えてくるもの


【全体を撮影すると見えてくるもの】

最近FTJS！では内部限定配信として講座参加時の演奏を撮影して
演奏の振り返りに使ってもらうようにしています。

当然、ピッチやフレーズ、リズムという音も後から確認できますし、
それだけでなくアイコンタクトやハンドサインなどの
音では分からない「コミュニケーション」の部分の
確認をしてもらうために行っています。

なぜうまく意思が伝わったのか？
なぜ逆に全然伝わらなかったのか？
そういったことが見えてきます。

そして
バンド全体を映すので、アングルによって身体全身が映ることができます。

そうするとまた、見えてくることがあります。

それは、「演奏を失敗している時の身体の動き」です。

例えば、
最初の１音を出す瞬間。
「やるぞ」っと気合いが入りすぎて、身体にムダに力が入ってしまったりします。

そうすると頭の中のいつもの力の使い方の
イメージとの差が出てしまい、ピッチが悪くなったりします。

弦楽器だと、弦をおさえる指に力が入りすぎると
必要以上に弦を引っ張ることになり、ピッチが悪くなるし、

管楽器などの場合、喉や口周りに力が入ってしまい
思った通りの音が出なくなるらしいですね。
（僕は管楽器はやったことないのでらしいと言っておきます。）

管楽器に近いものかもしれませんが、
僕なんかは歌を歌う時には
出だしの音のピッチがほとんど合いません（苦笑）

でも、めちゃくちゃ耳がいいわけでもないですが
「音感音痴」というわけでもないので、
「発声音痴」の感がかなり強いのだと思います。

発声音痴は、出したい音が分かるんだけど、
発声時の身体（喉だけに限らず）の使い方が不器用で
思ったところに音が当てられないという音痴のこと。

出だしがとびきりピッチが悪いのは
こういった「やるぞ！」という身体のりきみからくるのでしょう。

また、全身を映すとリズムの面でも見えてくることがあります。

例えば、
リズムがずれてしまったりしてしまう人の身体の動きを見ていると。

それまでは安定して４拍で足踏みしていたのに
裏拍にアクセントが来た瞬間に裏返ってしまったり

ちょっと速いパッセージを時であったり
難しい演奏が必要な瞬間に
その時だけ足が止まったりしているのです。

足踏みをし続けなきゃいけないとかそんな話ではなく、
リズムでつまずく時、その時だけ
今まで感じていたであろうリズムの感覚がなくなってしまうのです。


【アップで撮影すると見えてくるもの】

アップと言っても超至近距離のことではありません。

上半身が映るくらいの距離です。

これくらい近いと、また違ったものが見えてきます。

もちろん手元もよく見えますので、
全身を撮った時と同じような身体の力みなどを発見できるかもしれません。

しかしそれ以上に見て欲しいのが、「表情」です。
まぁ十中八九恥ずかしいと思う人の方が多いでしょう（笑）

僕は個人的な演奏動画を撮影過程で
嫌でも何回何回も見ているうちに慣れましたが、

表情を見ているとですね、
「顔が死んでいるとき」と「顔が生き生きしているとき」で
演奏が全然違うんです。
逆に演奏の善し悪しで表情が変わるのかもしれませんが。

顔が死んでいる時は
「ミストーンを出してしまってからしばらく」や
「リズムやコードをロストしてしまって戻って来れるまで」
完全に目が泳いでたりします。

あともちろん、
単純に疲れている時や眠い時も顔は死んでいます（笑）


逆に表情が生きている時は
「頭の中の音のイメージと実際に出している音がシンクロしているとき」
ですね。

そして、何よりも
「演奏してて楽しいな～」って感じているとき！

表情は一見関係ないことですが、
ステージに立つ時、セッションでコミュニケーションするとき
多くの情報を自分を見ている相手に与えています。

恥ずかしいとか人によっては「嫌い！」
なんて言う人がいますが、
自分が目を背けても
自分に関わる人たちはその顔を見ていろんなことを判断しています。

「ナルシストになれ」なんて言いませんが、
自分はいつもどんな顔で
相手と接しているのか、演奏をしているのか
そういうことは把握しておくと
思わぬ発見があり演奏も良くなるかもしれませんよ♪


では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！