Category Archives: アドリブのコツ

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。

数回に分けてお話しして来ております。

前回「暗記してしまった方が良い音楽理論がある」

という話をしましたが、
今回は具体的なお話です。

音楽理論を既に勉強済みの方には
既知の話で退屈かもしれませんが、

意外にも認識があやふやな人や
そもそもキーの概念が分かっていない人が多いので
解説して行きます。

まずキー（調）というのは
その楽曲の基準となる単音＆コード、
そして構成する
メジャースケール＆ダイアトニックコードを意味します。

（マイナーキーもありますが、
その点については後々の記事で触れて行きます。）

つまりリードシートに
『キーC』とか書かれている場合や五線譜がキーCを意味している場合は

・単音のC（ド）が基準となっている音である
・和音のC（ドミソ）が基準となっている和音である
・その他の構成音はCメジャースケール（ドレミファソラシ）である
・構成音から作られる和音はCのダイアトニックコードである

というようなことが一目で分かるようになります。

これがわかると、
逆にそれ以外の音が使われている時に
即座に視覚的に見つけたり
聴感的に
違和感やひねりのあるかっこよさを感じたり出来るわけです。

ではこのキーについてですが、

コード進行でもなんでも
ほとんどの楽曲にはキーの規則に沿って作られています。

そのキーの規則とは次のようなものです。
・シャープ系とフラット系のキーがある
・キーを表示する時にシャープとフラットは混在しない
・シャープ系もフラット系も増え方に順番がある
・♯は５度上、♭は４度上の音の順番に増える

それぞれ見て行きましょう。

【♯系と♭系のキーがある】

キーには
♯系と♭系があります。

キーCはどちらも一切出てこないので、
このキーは例外です。

また、
シャープの最も多いキーはF♯で
フラットの最も多いキーはG♭です。

それぞれ７音中６音にシャープまたはフラットがつきます。

これらは
鍵盤で見てもらうと分かりやすいですが、
F♯はFの右隣の黒鍵のことで
G♭はGの左隣の黒鍵のことで
結局は同じなのです。

そこからメジャースケールをたどれば
それぞれの音をシャープをつけて呼ぶか
フラットをつけて呼ぶかの違いだけで結局
使われている音は同じなのです。

キーCとキーF♯&G♭は特殊ですが、
他のキーはシャープ系もフラット系も各５個あります。

【キーを表示する時にシャープとフラットは混在しない】

シャープ系にはシャープを使った表記しかしませんし、

フラット系にはフラットを使った表記しかしません。

（譜面上メロディの動きの関係で両方使われることはありますが、
一時的なもの（臨時記号）なので例外です。）

たとえば

ド　レ♯　ミ　ファ　ソ♭　ラ♯　シ♭

とか、両方入ったへんてこなスケールはありません。
（そもそもラ♯とシ♭は同じ音だし　笑）

五線譜をみると
左側に予めシャープもしくはフラットがいくつかついていますが、
これが「キー」を表しています。
これらは必ずシャープ系ならシャープだけ
フラット系ならフラットだけで表記されます。
　
　
ちょっと長くなったので、
続きは次回の僕の記事で解説して行きます。

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

お読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

この記事は僕のツイッターで

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かなり反響があったので、

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それではどうぞ！

何か自分以外のモノや人に対して、

「凄い！」

と素直に感じることがあります。

とても自然で、人間らしい感情です。

これ自体はもちろん

素晴らしい事なのですが、

実はこの感情が行き過ぎると

【人間が共食いをする！】という、

奇妙な現象が起こるそうです。

「共食い」というとなんだか大げさですが、

「凄い！」と強く思い過ぎると、

実際に戦いはしないまでも、

精神的に対立構造になることが多い。

特に強い憧れのミュージシャンや

先生、師匠がいたりすると良く起こります。

「凄い感」が起こす

精神的共食いの原理はこんな感じ。

「憧れの先生が凄い感を出す。」

→「生徒は表層意識で凄いと感じるが、

　　その反動で無意識では

　　自分を凄くないものだと思い始める。」

→「自分は凄くないので、

　　無意識に成長しないように

　　ブレーキをかける。」

「ずっと成長しないので、

　先生が怒ってさらに成長が鈍化する。」

→そのまま精神薄弱な

　生徒にとどまる人もいますが、大抵は

→「凄くない自分を否定したくなり、

　　反動で先生を精神的に

　　自分より下に置き、喧嘩する！」

こういう無意識の

「共食い心理」が働くことが、

とても多いようです！

確かに学生時代を

よく思い返してみると、

怒りっぽい先生には

沢山アンチ生徒がいました。

不思議と愛があって怒る先生には

「あの人に言われたらしょうがない」

感が出るのに、

愛がないと単に怒りの感情が

湧いたものです。

これも実はその先生が

「凄い感」を出していた

からかもしれません。

例えば僕はチャゲ＆飛鳥が大好きですが、

色気づいてきて、

ジャズやブルースにハマると、

J−popなんて面白くない！

と思うようになりました。

今思うと、まだ自分を認められず、

劣等感があったので、

無意識にチャゲアスに

「凄い感」を感じて、

その後、勝手に見下していたんだと思います。

でも逆に！

飛鳥さんが最近大変な事件を起こしましたが、

今の僕はその事件と彼の音楽を

切り離して考えられています。

僕自身、それなりに

キャリアを積んできたので、

それなりに自信があり、

必要以上に「凄い感」を感じることなく、

等身大の音楽そのものを

認められるようになったからだと思います。

ここまでくると

人生をグルーヴさせる

コツが見えてきます！

【人に何かを伝える時は

　凄い感を出さずに対等な精神でいる事！】

そして、

【人からものを習う時は、

　凄い感を受け流し、

　リスペクトし合う対等の精神関係を

　自分の中に作る事！】

過去も今も、

自分を振りかえるとできていません。(苦笑)

でも、この気づきを元に、

さらに楽しく勉強し、

【一緒に成長し合える対等な仲間】

を沢山作る！

これこそが、人生をグルーヴさせる

最大の秘訣のうちの一つなのでは！？

なんて思った、最近の僕の頭の中でした。

ピンときた方は是非

参考にしてみてください。

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グルーヴさせていきましょう！

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それではどうぞ！

(1)潮の香りのする場所。
でも、目線をあげると
高層ビルの無数の明かりが
見に飛び込んで来る場所。

陽の光が海に沈む原風景的な美しさと、
都会的な夜の美しさを同時に感じれる場所、
まさに東京ウォーターフロント！

(2)遠くからは、ボサノバのリズムが聴こえる。
人々の喧騒もほんのり。
でも、一度意識を波の音に向けると、
またすぐに懐かしい感覚に辿り着く。

不思議なバランス。
でも、何故か心地いいバランス。

(3)基本的に人間は欲張りなもの。

ダイナミックな夕陽が水平線に消えゆく姿や、
まろやかな波のグルーヴに身を任せても、
本能的にリラックスできる。

逆に、
シンメトリックで計算され尽くしたもの、
都会的で鋭く角ばった人工物であるビル群などを見ても
やはり本能的に感動する。

摩天楼なんて言い方もこのあたりの感性からきている気もする。

(4)もちろん人によって、
なるべくオーガニックで、
自然な暮らしの方に惹かれる人もいる。

対象的に、新宿のど真ん中に居を構えて、
眠らない街で人生の大半を過ごす人もいる。

どちらも人の道。

(5)こういう風に分けるとスッキリするが、
よく考えてみると、
実は矛盾があるような気がする自分に気づく。

人間の本能としては、
実は
「自然と人工両方をバランス良く欲しているのでは！？」

こんな感慨を抱いた東京ウォーターフロント。

(6)音楽も完成され尽くしたクラシックや、
クレバーなアドリブ全開のジャズを
聞きたい日もあれば、
単純に頭をふりたくてロックを聞く日も、
踊り倒したくてファンクを聞く日もある。

人の心は常に揺れているので、
シチュエーションで欲しいサウンドが変わる！

(7)もっと突っ込んで考えてみると、
とても複雑で解釈の難しいコード進行の上で、
皆が鼻歌で歌えるようなポップなメロディがのっている。

逆に、
とっても単純なエイトビートとコードなのに、
よく歌詞を見てみると、
切れ味の鋭い哲学が滲み出ていたりする。

人はこんなバランスで感動する！

(8)現代人の僕たちは、
実はかなり絶妙なバランスで芸術を解釈し、
生活をデザインしているのでは無いだろうか！？

ダイナミックな自然と、
緻密で繊細な都会のグルーヴが混ざる
東京ウォーターフロントで、ふと思った事でした。
　
　
以上連続ツイートまとめでした。
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(1)先日、久々に実家の埼玉県熊谷市に帰ったら、
ちょうどお祭りだったので、大いに堪能して来ました！

(2)そんな中で改めて感じた事があります。
【お祭りのリズムは一体感がかっこいい！】
大人数が一体になって、
その街に代々受け継がれているお囃子を演奏する！
掛け声を合わせる！壮観です。

(3)正直に言うと、
昔はそんなにお祭りは好きじゃありませんでした。

僕はとにかく家を出たくて仕方なくて、
東京に出れば何か有るだろ！？
と根拠も無く思っていたタイプ。（笑）

その延長で地元のお祭りにも
あまり興味が湧きませんでした。

(4)更に音楽にのめり込んでからは、
邦楽より洋楽だ。ロックよりブルースだ。
ブルースよりジャズだ。
ジャズよりワールドミュージックだ。
ワールドミュージックよりクラシックだ。
最後は現代音楽だ！と、
次々に嗜好を変え、
音楽を解った気になっていた痛いタイプ。（苦笑）

(5)そんな僕なので、
頭ノリで手拍子をされると違和感があったし、
日本的な音楽はダサいと思っていました。

バリバリ日本人顔で、バリバリ頭ノリだったのに！（笑）

でも、もちろん今は自分のルーツをリスペクトしています！

(6)だって単純にお囃子ってかっこいい！

山車に乗った十人弱位のメンバーが、
大太鼓、小太鼓、金物、横笛、
そして掛け声で独特のグルーヴを出し、
ドンドン一体になって行きます。

更に他の山車が近づいて来ると、
テンポが違うので更に渦を巻くような
ポリリズムが展開されます！

(7)この時、
西洋のいわゆるビート音楽しか
受け付けない価値観だと、
見事に良さが分かりません。

何故なら、日本の音楽は
「間」で表現するからです。

能や歌舞伎になるとモロですが、
お囃子は一定のリズムも有るので、
ビート音楽至上主義の人には更に良さが解り辛い！

(8)そういう僕もビート音楽という
固定観念に縛られていた典型タイプ。（恥）

ある時、フリースタイルのダンサーと
【無拍子】（リズムではなく間の音楽）
で即興セッションをした時に、
ようやく目から鱗がボロボロ落ちまくった経験があります。

子供の頃から耳にしていたはずなのに！

(9)「郷に入っては郷に従え」

国が違えば、場所が変われば、人が変われば
ルールが変わります。

そのルールに反発する事も可能ですが、
大抵損をします。

何故なら楽しさは一体感の中にあるから！

(10)一体になれるからこそ、
そこから良いバランスで外れることも可能！

ある程度価値観を広げた耳で、
地元のお囃子を聞いた僕。

改めて自分のルーツと音楽の広い可能性、
そしてシンプルな一体感の気持ちよさを
再確認しました！

以上連続ツイートまとめでした。
ライブなどでも応用できます。
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音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。

数回に分けてお話しして来ております。

僕は詰め込み型教育というものが大嫌いです。（笑）

なので、学生時代は「暗記！暗記！暗記！」というようなものが
大の苦手でした。

理屈屋さんなので、
理屈が分からないと覚えられないのですよね。

でも、音楽理論もただ理屈を覚えて
知識として知っているだけでは
使えないものもいっぱいあるし、

音楽理論に関しては理屈を理解してても
「リアルタイムで使えなきゃ意味ない」んですよね。

そういえば、
筋道を立てて考えたいタイプの僕は
時間がたっぷりあれば、数学の問題を解けるのですが、

いかんせん思考がショートカットできないので、
「試験時間内に解答できず」
成績は微妙でした。（笑）

なんでテストには制限時間があるんだ！！と嘆いていたものですが、

大事なのは「時間内に出来るかどうか」ってことも含まれてて
アドリブセッションをやっている今は
その重大さを身を以て感じております。

それでも、「詰め込み型教育」は嫌です（笑）

さて、話がそれましたが

音楽理論にも「理屈抜きに暗記してしまった方が早い」
ものがあります。

安心してください。
英単語１０００語覚えるとかそんなのよりよっぽど簡単だし、
少ないです。

それは、

「１２キーとそれぞれのメジャースケール構成音」

逆に言うとこれだけです。

後はこの丸覚えしたものを基準に応用して行けば、
音楽理論の大半は理解できます。

音階には
ド・レ・ミファ・ソ・ラ・シ
の７音と
「・」部分に入るの右の音をフラットあるい左の音をシャープさせた音を足して
１２音あります。
（ミとファ、シとドは隣合った音なので、間に別の音は入りません。）

そして
それぞれの音を基準に作られたキーがありますので、
１２キー存在することになります。

なぜ１２音なのかという理屈が知りたい人は
「１２平均律」という言葉でWeb検索してくださいね（汗）

それを覚える前の暗記として
音名を
ドレミファソラシと
CDEFGABと英語名でも覚えておくことも大事です。

逆に英語名だけの理解の場合、
多くの場所で、単音の話をしているのか和音の話をしているのか
意思疎通がごっちゃになることがあるので、
どっちも行けるように
「ドレミ〜」と「CDE〜」は両方をひもづけて覚えておくと良いかと思います。

「ハニホヘトイロ」はセッションの場ではほとんど使いません。
昔からピアノをやっている人とはこの名称の方が通じる時もありますが、
かなり限定的なので、今から新たに覚える必要はないでしょう。

僕の場合は
単音は「ドレミ」
コードやキーなど複数の音を内包している場合
「CDE」を用いて説明しています。

さて、では
１２キーの話に戻りますが、
１２キーはそれぞれの音からただ単に並び替えれば言いわけではないんです。

キーCが
ドレミファソラシだからといって

キーGが
ソラシドレミファという単純な話ではないのです。
キーGはファはシャープします。

でも、これには規則性があるので、
規則性を理解した上で「暗記」してしまうと理解が深まります！

次回は具体的にその規則性についてお伝えします。

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

【ギターVSピアノ〜スケール把握の違い〜】

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして来ております。

アドリブセッションでよく演奏される
音階のある楽器でかつコード楽器の代表選手はギター＆ピアノ

他の楽器の人もこの楽器のどちらかを
ハーモニー感覚を養うために演奏できるといいことが起こります。

まずは全音符で弾ける程度で良いので、
演奏できるとアンサンブルの理解が深まり、
アドリブに確実に活かせます。

しかし、この２つの楽器にはスケールの理解の向き不向きがあります。

「ピアノは絶対音的。ギターは相対音的」

結論から言ってしまうとこのような理解の違いがあります。

単純に視覚的に得られる情報なのですが、

【ピアノは絶対音的理解】

ピアノは白い鍵盤（白鍵）と黒い鍵盤（黒鍵）があり、
更に黒鍵は白鍵より小さく控えめに設置されています。

白鍵だけを演奏しやすくなっています。

つまり
Cメジャースケールを基準にした構造になっています。

白鍵だけを選んで演奏すれば、
何も考えなくても
Cメジャースケールの音を選んでアドリブをとることが出来ます。

また、白と黒のコントラストがあることで、
何の音がシャープ（あるいはフラット）しているとかが
一目で分かります。

五線譜も、調号がない場合は自動的にCメジャーキーですしね。
ピアノとの相性はいいですね。

このことから
ピアノは「ド」とか「ファ♯」とかを一目で理解するのに特化した
「絶対音的理解」に強い楽器だということが分かります。

逆に言うと
音と音の距離感（相対音的理解）は
ギターに比べると掴みにくい傾向があります。

なので、
スケールごとに別々に並びを覚える必要があるし、
演奏のしやすさもキーによって変わってきます。
　
　
【ギターは相対音的理解】

一方のギターは視覚的には
どこに何の音があるのかサッパリ分からないようになっています。

弦を押さえることで、振動する弦の長さを変えて音程を変えるという
非常に原始的な構造をもつためです。

更に同じ音が違う弦の違う場所にも存在するので
最初音の配置を覚えるのにとても苦労します。

ギターは構造上
クロマチックスケール（半音階）を基準にして作られています。
というか原始的な構造のためそうならざるを得なかったのでしょう。

ピアノに例えるならば
白黒のコントラストもなく、
鍵盤の大きさも全部同じになって並んでいるということです。

そのため
ギターは
メジャースケールが見えづらく
何の音が使われているのか分かりづらい傾向があります。
（絶対音的理解がしづらい）

しかし逆に言えば、
どのキーのスケールも全く同じ形に見えるため、
相対音的理解はしやすい傾向があります！

【どっちが良い悪いではなく、補完し合うことが大事】

はい、楽器の構造から理解のしやすさというものを見てきました。

この話はどっちが良い悪いということを話ているわけではありません。

大事なのは、
音の理解のしやすさに偏りがあるので、
得意も不得意も生まれるということです。

それぞれの不得意を補完するために

ピアノはナンバリングシステムで
数字でも音の並びを把握しておいた方が良いし、

ギターは形だけではなく
ちゃんと使われている音も理解した方が良いのです。

どの楽器のプレイヤーもハーモニーやスケールの理解は必須です！

ぜひこれらの楽器を触れてない人は実際に触れて
既に楽しんでいる人は更に深めて
ジャムセッションをもっと楽しんで行きましょう！

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

【停滞と成長の道の見極め方！】

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(1)つい先日、
一日に2人のミュージシャンと
別々にお話させて頂く機会がありました。

その二人の話の対比で、
面白い事に気づいたので
改めて書き残しておきます。

一言でこの二人の話を対比するならば、
「怒り」と「孤独」。

(2)1人のミュージシャンは
こんなことを話し始めます。

「自分のやりたい音楽ができない。
良いメンバーがいない。
この前も1人クビにした！」

かなり怒りや焦りの感情をにじませて
こういった悩みを相談してきます。

もう一人はこんなことを話します。

「自然と人が離れて行って少しさびしいです。」

(3)不思議なことに、
「寂しい」と言った方の
ミュージシャンはなぜか晴れ晴れとた、
そして少し凛とした
決意を感じる表情で話しています。

両方とも、
自分から人が離れていく話をしているのに、
その表情は対極。

まさに「怒り」と「孤独」の対比を、
聞いているこちらは強く感じました！

(4)そして多分ですが、
僕の少ない経験から言うと
この二人はまったく違う道に
入っていくと思います。

その道とは
「停滞の道」と「成長の道」！

両方とも人が離れていく話を
しているのですが、その時に
「怒り」や「自己嫌悪」など
負の感情がまとわりつくと、
かなりの確率で同じことを繰り返します！

(5)なぜなら
【同じレベルの感情は引きあうから。】

不思議なことに、
「メンバーをクビにしてやった！」
と上からイキっている人は、
その後数年単位でみると、
見事に今度はクビを切られる
下の立場になります！

俯瞰で見てしまうと、
同じようなレベルの
心の課題を抱えた人達とずっと仲良しなのです。

(6)逆に「自然と人が離れて行って寂しいです。」

と孤独を感じる人は、
不思議と数年後に凄い成長を見せます！

確かにその時は
急速に仲間がいなくなるのでさびしいのですが、
大きく見るとそれまで抱えていた
心の課題をクリアしたので、
なんとなくそれまでの仲間と話が合わなくなるのです。

(7)そして、過去の人間関係が
良い意味で一掃されると、
これまた不思議なことに、
次の高いレベルの問題を共有できる仲間、
同士が集まって来ます！

それまでは意識にも入らなかったのに、
気づくと吸い寄せられるように、
そういう人達が集まる場所に
飛び込んでいたりするのです！

(8)でも、人間とは
基本的にさびしがりやだし、
安定を求めてしまうもの。

いつも怒りや自己嫌悪を反射しあい、
お互いに文句を言いあい、
喧嘩をしているような人間関係でも、
無くなってしまうとさびしすぎるので、
無意識にそこに執着してしまいます。

これはきっと本能レベルの行動。

(9)僕は思いました。

【人が離れていくのは自然の流れ】

だからこそ

【その時に自分の感情が
プラスなのかマイナスなのかをよく見極める事！】

もしマイナスならば、
逃げて繰り返さない方法をよく考える機会。

もしプラスならば
もうその関係は卒業してOK！

そんな見極めのコツを教えてもらった、
貴重な二つのお話でした。

以上連続ツイートまとめでした。
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【リードシートは多角的な視点で捉えると覚えるのが楽になる】

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして来ております。

前回
単一楽器だけを演奏している人の音楽理論把握の傾向をお伝えしましたが、
僕はマルチプレイヤー思考のため、
実際のところ実際に見聞きした他人の傾向をお話しすることしか出来ません。

そして、更に言うと
僕の演奏能力が高いわけではない上にマルチプレイヤー思考のため
とっても平々凡々としたものであり、
それぞれの楽器を長いこと演奏していていらっしゃる
皆さんの方が実際のところ演奏はうまいかと思います。

また、
マルチプレイヤー思考といっても
ベースが圧倒的に長く、続いてドラム、その次がギターで
ピアノは少々、管楽器に至っては未経験です。

なので、考え方にもかなり「リズム隊」傾向が強いです。

ですが、
多少なりとも役立つ機会が多かったので、
僕の考え方をシェアしたいと思います。

【リードシートを読み解くマルチプレイヤー思考法】

１、構成把握はドラマー的な大きな枠の視点で理解する。

まず最初の大枠を掴むところは、ハーモニーとかに縛られない、
ドラマー的な視点で行います。

各セクションの小節数とか、全体の構成の流れ、
キメの部分や、その曲の核となっているリズムなどをまず把握するには
ドラマーの視点が役立ちます。

２、ハーモニーの感覚的な把握はコード楽器の視点で補完。

次に曲全体を感覚的に理解するわけですが、
実際の音を出さなくても、コード楽器で和音をならす経験をしているので、
コード表記の流れをみるとだいたいのハーモニーの流れが掴めます。

ここで、リズムだけでは掴めなかった「ハーモニーやメロディ」と絡んだ
着地点が見えてきます。

３、演奏するための具体的なコード＆リズムの理解はベーシストの視点で

２のハーモニー的な理解はザックリとした着地点などの理解でしたが、
ベースライン、つまり、コードのルートを追うことで、
更に細かく小節単位の流れが見えてきます。
そして、ベースには「リズム隊」としての役割もありますので、

ドラム的な小節やセクションなどのハコの理解と
コード楽器のハーモニー的な感覚理解を結びつける
接着剤のような役割を果たします。

ここまで行えれば、
リズム隊として参加するのであれば、十分対応することが出来ます。

４、メインのスケールと特殊なコードの特徴音は演奏する楽器で理解。

自分がアドリブソロを演奏する場合。
キーはコード進行を見た時点で分かるのですが、
改めて演奏する楽器でどのスケールがハマるかを再確認します。

そして、コード進行によっては主要なスケールの音ではハマらない部分がありますので、
主要スケールとそのコードの相違音をピックアップしておきます。

（転調がある場合は、転調後のスケールも理解しておきます。）

そうすることで、比較的自由に演奏しつつも、
特徴的な部分にはコードに沿った演奏をし、
それが出来ることはつまり、ロスト対策にもなります。

僕はソリスト歴はそんなに長くないので、
これくらいですね。

そして、更に。

５、移調はギターやベースの指板をイメージして行う

僕はセッションをホストする役割を行うことが多いので、
コード進行を演奏者に伝えることが多いのですが、
その時に
移調楽器である、管楽器にコード進行を教えるというようなことがあります。

演奏中にやれと言われると難しいのですが、
僕は瞬時にB♭管であれE♭管であれ移調後のキーやコードを答えることが出来ます。

管楽器未経験の僕がなぜそれを出来るかというと、
ギターやベースの音の配置が非常に移調を考えやすく出来ているからです。

移調をする時に頭にギターやベースの指板をイメージしています。
B♭管であれば、
実音の音から２フレット高い音が移調後の音で
E♭管であれば、
実音の音から隣の低い弦に移動し、２フレット高い音が移調後の音
となります。
（文章だとちょっと分かりづらいですが…）

それぞれの移調の対応を丸暗記していなくても、
聞かれたら、即座に頭の中の指板に照らし合わせて、
答えることが出来るのです。

ざっと５つほどポイントをさらってみましたが、
実際に僕はこのステップで曲を理解し、
（もしくはフリーセッション用の簡単な曲を組み立てて）
演奏する皆さんにお伝えしているように思います。

リアルタイムなアンサンブルは
複数のプレイヤーがいないと出来ないことですので、
必ずしもマルチプレイヤー思考でなきゃいけないなんてことはありません。

他のプレイヤーの思考の得意不得意を理解して、
お互いがアンサンブルをする上で
楽器の特性上苦手な箇所を補完し合いながら
楽器ごとの良さを活かし合えるような

そんなコミュニケーションをとれるような
ヒントに慣れれば幸いです。

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回は【音楽は場の力をコントロールしたもの勝ち！】です。

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(1)先日、「FTJS!ジャムセッション講座」の
ビッグイベントが終了しました！

その名も【アコースティックセッションパーティ！】

吉祥寺にある「cafe zenon」という
お洒落カフェを借り切って、
ご機嫌なアコースティックセットで
セッションしまくる！というイベントでした。

(2)参加者の皆さん、
そして見学に来てくれた皆さん、
最後は存分に踊り倒していたので(笑)、
概ね良いイベントだったのではないか！？
と、個人的には感じています。

そしてそんな中で、
今回も様々な気づきを頂きました。

その中でも一番の気づきは【場の力】！

(3)「FTJS!ジャムセッション講座」は
そのコンセプト上、
基本的に全てのレッスンが
バンドアンサンブルになります。

つまり、毎週(下手したら毎日)のように、
スタジオにこもってセッション三昧となります！

(4)なので、
いわゆる普通の音楽教室のように、
普段は個人レッスンをして、
発表会が初めてのアンサンブルの場になる！
というシステムにはなりません。

大げさに言うと、
常にセッションライブなのです！(笑)

でも、人間の感覚とは不思議なもの。

(5)いつものスタジオを飛び出て、
広いお洒落なカフェで演奏する！

言葉にするとこれだけの事でも、
その時のサウンドは皆、
明らかにスタジオの時とは変化します。

もちろん、全体の音響や機材が
そもそも違うので、
音が変わるのは当たり前。

でも、そのレベルでは無い変化が明らかに感じとれます！

(6)今回のセッションパーティでは

【アウェイをホームに変える力】

が大きくかかっていたと、
今になって思います！

本来【場の力】とは中立的なもの。

場所が大きくなったり、
高くなったり、
レアな環境になる。

または、単純に人が集まる。

すると場に力が生まれます。

この時点では＋でも−でもありません。

(7)ところが、
そこでパフォーマンスする側になると
途端にこの「場の力」が
ネガティブに襲いかかって来ます！

失敗したらどうしよう…。
沢山の観客に見られて恥ずかしい、怖い。

などなど、勝手に脳が
場の力のマイナス面を感じ取ってしまいます。

分かりやすく言うと【アウェイ感】を感じるのです。

(8)ところが今回はセッションパーティ！

つまり、見ている人もほぼ全員プレイヤー！！

ステージに立つ気持ちが分かります。

なので、拍手や歓声に始まり、
最後は踊りだしたりして、
ステージと観客席が一体になっていきます！

この時、お洒落カフェが
参加者にとって【ホーム】となったのです！

(9)「ホーム感」を得られればこっちのもの！

あとは流れるグルーヴに乗っかるだけ。
こうして素晴らしいパーティは更けていったのでした。

【場の力】つまり、
「アウェイ感」をコントロールし、
さらに皆で楽しみながら
「ホーム感」を創り上げる感覚を
強力に感じられて、
最高にご機嫌な一日でした！

以上連続ツイートまとめでした。
ライブなどでも応用できます。
ピンときた方は是非参考にしてみてください。

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今日も一日ガツンとグルーヴさせていきましょう！

今回は【「絶対リズム感」より「相対リズム感」！？】です。

ＦＴＪＳ！の斉藤彰広です。
今回の内容は、
近日に発売予定の電子書籍教則本

【リズム感コンプレックスをやっつける３つの方法】
の一部を先取りで公開していきます！

それではどうぞ！

「リズム感がいい」というと、多くの人は、
どんな難しいパターンやリズムをプレイしても、
まるでデジタルなメトロノームのように
きっちり正確なタイムを刻めることを指します。

これをいわゆる「絶対リズム感」としましょう。

これを持っているプレイヤーで有名な人は、
TOTOのドラマーだった故ジェフポーカロ氏。

クリックなしのレコーディングで、
イントロとエンディングのドラムのテンポを、
ストップウォッチにてコンマ単位ではかっても、
ほとんど誤差が生まれなかったのは有名な話。

と、こういう逸話が残っていたりするので、
多くの人は盲目的に「絶対リズム感」を
訓練によって身につけようと努力してしまいます。

でも、残念ながら、
この「絶対リズム感」は「絶対音感」と同じで、
子供の頃にそういう英才教育を受けでもしていない限り、
なかなか身につくものではないようです。

と、残念なお知らせを先にしたうえで、(笑)
今度は希望のお話！

実は、普通に音楽を楽しむうえで、
「絶対リズム感」はほとんど必要ありません！

むしろ、中途半端にそういう能力があった方が、
アンサンブルではアダになります！！

生身の人間と一緒にアンサンブルをする場合、
一人メトロノームのような人がいても、
逆にグルーヴが浮きまくってしまうのです。

また、「お前リズムずれてるよ！」と、
大声で指摘してくるドヤ顔の人ほど、
いざ正確にメトロノームとやらせてみると、
「お前が一番ずれてるよ！」
という落ちになることが多いのも、
不思議な傾向です。(笑)

なので、まずは「絶対リズム感がなきゃだめだ！」
という、淡い幻想を捨て去ってしまいましょう！！

そして、大事になってくるのが、
いわゆる「相対リズム感」です！

相手の出す柔軟なリズム、テンポ、グルーヴに対して、
即座に合わせてリズムを切れる能力のことを言います。

それこそ、ジェフポーカロ氏のように
超人的な絶対リズムを持っている人でない限り、
人間の感情に合わせてテンポは揺れます。

盛り上がって気持ちよくなれば、
心拍に合わせて少し早くなるし、
全体を落ちつけようと思えば、
自ずと少し遅くなります。

これをしっかり耳で認識し、
その揺れに合わせて気持ち良くグルーヴできる、
そんなリズム感の方が、間違いなく
人間同士ならばグルーヴできるのです！

そして、この「相対リズム感」は
大人になってからでも、十分に身に付きます。

また、良く周りを聞いて合わせる訓練をする
「相対リズム感」を鍛える意識になると、
不思議と最低限のリズムキープはできるレベルの
「プチ絶対リズム感」も身につくから一石二鳥！

要は、カチカチした正確な「絶対リズム感」は、
今の時代、機械に任せて、(笑)
人間の僕たちは、「相対リズム感」で、
感情の赴くままに、気持ちよくグルーヴしよう！

というお話なのでした。

リズム感に自信を失っている人は、
特に参考にしてみてくださいね！

続きは是非電子書籍で！

それでは、今日も一日
ガツンとグルーヴさせていきましょう！