Tag Archives: 大島直樹

FTJS！の大島直樹です。

これジャム読者の中にも
多くの方が持っているのではないでしょうか！？

「メトロノーム」

正確にリズムを刻んでくれる
とっても優秀な道具ですが

使い方一つで

練習が大嫌いになる原因にもなる

練習道具です（笑）

僕もリズムに自信が全くなく

ひたすらリズム感を向上させたい一心で

夜な夜な

メトロノームと格闘していた時期が

ありました。

メトロノームから聞こえてくる

無機質な

ピッ　ピッ　ピッ　ピッ…

という音はなんとも

眠気を誘い（笑）

気づいたら半分寝てる状態で

スケール練習していたり

ギターのファンクカッティングで

グルーブ感を出したいと思い

練習するのですが

録音したものを聴いてみると

ノリがでるどころか

自分のリズムが

突っ込んだり、

遅れたりしている

粗ばかり聞こえてくる

ズレてる自分の演奏にイライラするし

自分のセンスのなさに

落ち込んで

忍耐が足りないのだと

またメトロノームに向かって

リズムコンプレックスへの

負のループをグルグル回っていました。

こういうことに陥ってしまう人は

典型的な「ダメなメトロノームの使い方」を

している可能性が高いです！

一つが【リズムを当てに行く】

二つが【カウントをしない】

この二つが、

やればやるほどリズムが悪くなってしまう代表的な悪い使い方です。

メトロノームは鳴らすと無意識に
それにぴったり合わせにいきたくなります。

この無意識に起こる気持ちが音楽にとっては
実はNG!

当てに行くだけだと

拍と拍の間の長さ

次へつながるグルーブ感を

感じられないまま演奏してしまうからです。

また、鳴っているメトロノームに対して

いきなり弾き始めていませんか？

カウントをしてグルーヴを掴んでからでないと

最初の一音がどうしてもズレやすくなります。

するとそのズレを修正しようと

当てに行ってしまうので

負の連鎖が出来上がります（笑）

では、

どうのようにメトロノームを

使って行けば良いのかというと

【心の中で常にリズムを歌うこと】

色々なジャンルや様々なリズムパターンがありますが

基本は１、２、３、４です！

ピッ、ピッ、ピッ、ピッ、

という機械的な信号音として聴くのではなく

心の中で１、２、３、４、と必ずリズムを歌うことで

メトロノームと合わせても

１、２、３、４が感じられる

リズム感を作りましょう

そして１、２、３、４の中でも

例えば

１、３拍目をドラムのバスドラム
２、４拍目をドラムのスネア

のようなリズムパターンが

頭の中で歌っているように意識してみましょう！

クリック音に対して

「当てに行く」だけだったものが

「音楽的にリズムを感じられる」練習になるので

効果が出やすくなります。

メトロノーム地獄に

はまっている方、はまる一歩手前の方は

このように少し聞き方を変えるだけ

無機質なメトロノームのクリック音も

よりリズミカルに使えるようになりますので

ぜひ試してみて下さいね。

大島直樹

FTJS！の大島直樹です。

今回は
リズムの「前ノリ」とか「後ノリ」
と言われるちょっとした用語に関連した
リズムのお話！

初心者には難解で

音楽知識のある中級～上級者が
初心者を惑わしてしまう恐れのある
ちょっとやっかいな専門用語

簡単に説明すると

「前ノリ」というのは、
メトロノームがジャストのタイミングだとしたら
それよりもタイミングを少し前にリズムを刻むこと

逆に「後ノリ」というのは、
ジャストのタイミングよりも、
少しタイミングを遅らせてリズムを刻むこと
「タメ」なんて言われたりもします。

この微妙なノリの違いによって、
気持いい絶妙なグルーヴ感を出す！
ということ。

確かにこのようなリズムを駆使して
聴いてて心地よい演奏をする方たち沢山います

が

とりあえず

「初心者は前ノリ後ノリについては気にしない！！」

ことをおすすめしています。

というのも、

これを意識し始めて

「リズムをずらす練習」

を始めてしまうので

気にすれば気にするほど

リズムが悪くなる傾向があります

バンドアンサンブルの中でも

一人で、ずらそうずらそう！！

という意識で演奏すると

ぜんぜんグルーブしない

聴いてて何だか気持ちの悪い

サウンドになります。

こうやって冷静に分析すると
当たり前のようですが
これも大島は経験し

できないと悩んだリズム話の一つです（笑）

メトロノーム的にずらす練習よりかは

生のドラム演奏を聴いて合わせる練習の方が

ジャム初心者にとっては一番Good!!

セッションでは

盛り上がりや、場面の展開や、人の気持ちに合わせて
リズムは微妙に速くなったり遅くなったりして
常に揺れています。

この揺れに合わせる柔軟性が後に

様々なジャンルの音楽を

いろんな人と演奏する際に

とても大事になってきますし

一番素早く、効率的なリズム強化につながります

リズムの専門用語に

惑わされたり悩んだりせずに

初心者はまず

ジャストなリズム

シンプルなグルーブを楽しんで

いっぱい演奏するのが

一番効果の高いリズムトレーニングになります！

というお話でした

今日は手短かにこのへんで！

それでは～

大島直樹

FTJS！の大島直樹です。

今日は
ロックギタリストの
ロックギタリストによる
ロックギタリストの為のセッション的テクニック！！

ということで

「パワーコードのセッション的使い方」

について解説します！

まず、

パワーコードって何！？

って方のために簡単に説明しますと

例えばCのコードだと

ドとソの２音だけで構成されるコードです！

ちょっと知識がある方の為に説明すると

１度と５度の音で作られたコードです。

このコードをギターの低音弦でかき鳴らすと

それは音圧のある太い音で

さらに

歪ませるといかにもロックというような

ドーン！！という音になります！

しかも２音だけなので

押さえるのも超簡単な便利なコードなのです（笑）

イメージできない人は

ギターのお友達に弾いてもらってみて下さい。

この男前なギター的コード奏法ですが

その太さ故に

使う場面を間違えると

かなり場違いなKYなサウンドになります。

昔のロック一辺倒だった僕は

パワーコードしかコードワークの術がなく（笑）

ロック以外のジャンルの音楽を演奏するときに

何もできず

バッキングでも大変肩身の狭い思いをしていました（笑）

そんなパワーコードは

ロックにしか使い道がないかと言うと

実はそうでもなく

セッション的な使い方がちゃんとあります！！

まずは

「バンドが盛り上がった時」

ロックやファンク、ブルース等の音楽では

音量の増幅は

盛り上がりを演出する一つの要素です。

バンド全体の音量音圧をあげるのに

ギターのパワーコードはとても相性が良いです。

ここぞというときに

バンドサウンドに厚みを出してくれることでしょう！

ただ、

ギターは意識しないと

音量をあげすぎてしまう

傾向があるので

ソリストが聞こえなくなったり

ベースとぶつかったりしないよう

程々に音量調節にするのがポイントです！

二つ目は
「ベースとの兼ね合い」

ベースのラインが上の方の音域に来ている時は

どうしても低音域が手薄になります。

その時は、ベースの代わりをするかのように

パワーコードを忍ばせてあげると

低音域を補うことができるので

アンサンブル的にもバランスのとれた

サウンドになります。

また、ベースソロの際にも

うすーく

ベースラインの代わりに

パワーコードを入れてあげたりすると

コード進行も分かりやすく

ロストを防ぐことにも役立ちます！

パワーコードです！

ジャラーンとかき鳴らすだけだけでなく

音域補正と、

盛り上がりの音圧増

とういう観点からみると

とっても頼もしく

クレバーな使い方ができる

そんなコードなのです！

こんな役割もできるんだよってことを

覚えておいていただき

ぜひバンドアンサンブルの中でも

その効果を試してみて下さい。

それでは！

大島直樹

FTJS！の大島直樹です

先日の講座で生徒さんから

印象的だった感想がありましたので

皆様にもシェアしたいと思います。

いろんな楽器の気持ちが分かるようになる為

FTJS！では様々な楽器が演奏できる

マルチプレイヤーを生徒さんにも推奨しています。

その生徒さんは普段はブルージーで

渋カッコいいギターの方なのですが

この日はドラムで参加してくれました。

その方曰く

「外で聞いてた時のイメージより、

ドラムセットの中で演奏すると大きく聞こえる」

といったことを仰ってました。

確かにドラムは

外で聞いている時と違い

実際に演奏する際は

自分の目の前でドラムが鳴っているので

必然的には大きく聞こえます。

外から聞くと

ギュッと詰まっているように感じていたタムは

中ではボワンと大きく響きますし

シンバルもシャーンっと予想以上に

残響音が多く響きます

確かに、僕もドラムを始めた時は

自分が思った以上に大きく響く

ドラムに面食らったことを思い出しました

ドラムは

大きく叩こうと思えば

大人が少し力を入れるだけで

簡単に大きい音が出せます

ですがセッション的には

ドラムは

「音量を小さくコントロールできる方が吉！」

これが出来ると

大きく三つの効能があります

【ストーリー展開が演出しやすくなる】

最大音量と最小音量の幅が

あればある程

音量差による盛り上がり感が増します！

また

ロックやメタルといった

常に大音量が醍醐味な音楽も

小さい音量のセクションがあることで

メリハリをつけれるようになります！

【周りの音が聞こえやすくなる】
音量コントロールができると

周りの楽器の音に合わせて

自分が聞こえやすい音量に調整することも可能です！

ソリストの音が聞こえないと

反応するにも反応できませんし、

周りの音をよく聴くことで

落ち着いて演奏できるようになります

【ソリストの楽器に合わせた演奏が出来る】
アンプ等で音量が増幅できない
管楽器やアコースティック楽器は

音量に気をつけないとすぐ
周りの音に埋もれて聞こえづらく
なってしまいます

一番大きな音がでて
バンドアンサンブル全体の

音量コントロールも司っている
ドラムが各楽器の音量に合わせた
演奏が出来ることによって

より聞き心地のよい
バンドアンサンブルになりますし

ソリストも演奏しやすくなります！

主に上記３つのメリットがあげられます

ドラムのテクニックというと

超絶フィルや手数に

意識がいってしまいがちですが

音量を調節するテクニックも

セッション的には実は

超重要！！

そしてこれがコントロールできる

ドラマーは間違いなく

セッションでもモテます！

ぜひ

音量コントロールにも

注目しながら

他のドラマーの演奏を聴いたり

自身が演奏する際も意識して

弾いてみて下さいね。

大島 直樹

FTJS！の大島直樹です！

今回はタイトル通り

突き詰め始めると

樹海へ彷徨うかのごとく

奥深くへ入り込んでしまう

リズム感についてです！！

というのも

僕も例に漏れず

リズムコンプレックスにとっても悩んだ一人でした

「リズムの正確性」

これ、気になり始めると止まらないし

そんなにすぐ簡単に改善されるものでもない

何がいけないのかも分からないし

そもそもいいリズム感って何だ！？

ってな所でスパイラルして

グルグルグルグルー

ある時、

自分のライブを録音したものを

聞いてみて

呆然！！

自分の演奏だけ

周りのメンバーより

全部突っ込んでる！！

この自分の演奏を聞いてから

自分のリズム感の危うさに激ヘコみし

周りのメンバーから

こいつはリズム感が悪いから

もう一緒に演奏したくない

と言われてしまうのではないかと

リズム恐怖症が始まります

正確であろうとすればするほど

アンサンブルもなかなか上手くいかないし

自分のリズム感を棚に上げて

他人のリズムも気になり始めて

リズムの揺れが許せなくなっていきました

リズムは

正確であることこそが全てで

それこそ正義なのか！？

確かに

レコーディングとかになると

クリックやバックの音源にあわせるので

正確性が必要になってきます

ただ、リズム感には正確性の他に

「柔軟性」

という側面もあります

相手の音をよく聞いて

誰とでもリズムを合わせられるリズム感

といったところでしょうか！

正確であろうとすればするほど

結局自分の音しか聞いてなく

周りの音が聞こえていなかったり

自分のリズムが基準だと言わんばかりに

周りに押し付けようとして

結局グルーヴしない

なんてことに陥ります

むしろちゃんと周りの音が聞けて

リズムに合わせられる柔軟性がある方が

自然とリズムが合ってグルーブするし

合わせられた方も楽しく、

そして安心します（笑）

いろんな所で

いろんな人と演奏する

ジャムセッションでは

リズムの柔軟性も

間違いなく必要な能力と言えると思います、

リズムには

正確性とは相反する

柔軟性という側面もあり

アンサンブルにおいては

この二つをバランスよく

使うことでいい演奏になる

正確さだけが

リズム感の全てじゃない！

そんなことを

ジャムセッションを通じて

気づけたことで

リズムコンプレックスの心が救われて

のびのび演奏できるようになりました。

同じようにリズムで

悩んでいる方がいましたら

少しでも参考になれば嬉しく思います。

それでは！

大島　直樹

FTJS！の大島直樹です！

先週よりお送りしているジャムセッションと
レコーディングの相乗効果シリーズ！

元気にお伝えしていきたいと思いますが

ローディ時代のエピソードが好反響でしたので

今回も例に漏れずお話したいと思います。

ローディとは、アーティストさんや演奏者さんの
付き人とかアシスタントのことですが
その役割は多岐に渡ります。

機材積んで車の運転、会場でのセッティング、
楽器のメンテナンス、

ライブだと、
暗い会場の中を移動の際に
足下をライトで照らしたり

ステージドリンク渡したり

ステージ上のアクシデントに
マッハで対応したり

あと、食料の買い出しにダッシュしたり（笑）

ほんと何でも屋さんです！

ある時ライブで

譜面をめくる大役を
仰せつかっていたのですが

実はまだ曲の途中だったのに

曲が終わったと思って

譜面を次の曲へめくってしまい

大目玉を食らったことがありました ！

その時の演奏者の気持ちを考えると

なんと恐ろしいことをしてしまったのだと

今でも思います（笑）

それでは今日の本題！

「ジャムセッションの上達は

各楽器のバランスもうまく

アレンジできるようになります！」

今や自宅でもPCがあれば

いろんな楽器の音色を使って

音源を作ることが可能です。

でも、各楽器の特性を理解して

バランスの良い

アンサンブルの音源を作ろうと

思うと案外難しい

そこで

ジャムセッションでの

アンサンブルのコツが役に立ちます！

伴奏楽器はメロディやソリストの音が
引き立つような配慮しています

ギターとピアノが一緒に伴奏する時は

音域を被らないように

ギターが下の音域を弾いたら
ピアノは上の方の音域にする

バンド全体で低音域に音が
集中しないように
低い音はなるべくベースに任せる

曲の展開に合わせた
ドラムパターンで
各セクションを演出する

もちろんジャンルや曲によって
聞かせたいポイントや
アレンジは変わってくるかと思いますが

基本的なバンドアンサンブルのコツは

レコーディングも同じ！

PC上で音域をカットしたりせずとも

ある程度

聴覚上のバランスのいい音源が作ることできます！

逆に、何だかごちゃごちゃして聞こえたり

ある特定の音域が聞こえづらく

なっている時は

楽器同士が音域が

ぶつかっていたりすることが

原因だったりします。

このような観点から

ジャムセッションを通じて

バンドアンサンブルも上達していくと

トータルして

音源作りの際にも大いに役に立ち

レコーディング力もアップしていく。

そんなお話でした～

それでは！

大島　直樹

FTJS！の大島直樹です

前回のこれジャムより

ジャムセッションの上達と
レコーディングとの相乗効果について
お伝えしております！

前回
「ジャムセッションとレコーディングの関係～本番力編～！？」
https://jamsession-web.sakura.ne.jp/?p=8538

前回ちょっと触れましたが
ローディー（＝プロの人の付き人およびアシスタント）
をやっていた頃のレコーディングの
淡い思ひ出エピソートを先にひとつお送りします（笑）

その日は

教則本の音源のレコーディングで

朝早くから丸一日中スタジオに籠るスケジュール

重い機材運んでセッティングして

演奏環境を整えたら

「よし大島、朝ご飯買ってきて！」と言われダッシュ！

午前の作業も順調で昼近くになったら

「大島、昼ご飯買ってきて！」と言われダッシュ！

午後も順調にスタート！ティータイムには

「大島、ス○バでコーヒー買ってきて！」と言われダッシュ！

そのうち、いつの間にか外も暗くなってきて

「大島、夕飯買ってきて！」と言われダッシュ！

実質的なお手伝いよりも

食料の買い出しに奔走した

音楽青春時代のとある一日でした

注：ローディはご飯を買い出しに行くだけの
　　仕事ではありません（笑）

はい、そして肝心の本題です！

ジャムセッションをしていくと

「曲の構成の把握する能力が向上します」

ジャムセッションは

ストーリー展開がとても重要です！

バンドとどう絡むか？

ソロの構成をどうするか？

どうやって盛り上げか？

など

どう展開していくかが
良いセッションのための
とても大切なポイント

セッションに慣れてくほどに

演奏が始まった瞬間から

どういう風に曲を展開していくのかと

常に先を意識しながら

大まかなストーリーのイメージをしています

逆に言うと

今、その瞬間に何をしようかと

考えているのでは

リアルタイムで進んで行くジャムセッションでは

遅い！ということになります。

もちろん途中で周りとの駆け引きも

出てくるので完全に自分の思い通りにはならないのが

ジャムセッションのおもしろい所でもあるのですが

何が起ころうといずれにせよ

全体を大きく見渡しながら

常に先のことを意識することが

レコーディングでも大いに役立ってきます！

譜面を追ってその場を

どうやって弾くかで

意識がいっぱで

音を当てはめていく！

そんな感覚だったものが

この曲の一番の聞かせどころは？？

次のセクションはどうやって弾くのが

いい演出になるだろうか？

というように

曲単位で大きく構成を捉えるようになり

先を意識しながら弾くことによって

楽に進行を把握できるようになります。

これに慣れるには少し時間がかかりますが

セッション的な演奏の視点が

レコーディングでも

こんな相乗効果が生まれます！

自分でこれから作ろうと思っている曲や

お友達の曲に参加する際にでも

ぜひ参考にしてみてください！

それでは～

大島直樹

FTJS！の大島直樹です。

先日、

来月に行われるFTJS！の

レコーディングセッションに向けて

参加者の方を集めてオリエンテーションが

開かれました！

今からどんなイベントになるのか

とっても楽しみです！

レコーディングといえばですね、

僕はその昔

「ローディ」と呼ばれる

アーティストさんや演奏者の

身の回りや楽器のお世話をする

付き人みたいなことをやっていた時代がありました。

※ちょっと前は「ボウヤー」なんて呼ばれていたそうです！

レコーディングの現場にも何度も立ち会わせて頂き、

大きなスピーカーや、いろんなスイッチの付いた卓や

機材を前に完全にお上りさん状態で（笑）

それはとっても貴重な体験になったのを

今でも良く覚えています！

そんな思い出を振り返りつつ、

何回かに分けて

ジャムセッションとレコーディングの関係について

ズバっと解説していきます！

というのも

「ジャムセッションが上手くなると

レコーディングでの演奏技術も

格段に向上します！」

レコーディングは文字通り

録音を重ねていて

一つの作品を完成させる作業

音楽機材の技術の進歩で

今や自宅でもすごい高いクオリティで

作れますし

何度も録音し直したり

失敗したところ直したり

ゴマかしたり（笑）

フレーズとフレーズをくっ付けたり

ということが簡単にできます

作文や論文のように

何度も校正して

より完璧なものを作り上げる

そんなイメージでしょうか？

ジャムセッションは

ある程度の曲毎の約束事を決めたら

即スタート！！

演奏が始まってから終わりまでを

音の会話で

プロセスそのものを楽しむことがメイン！！

しかもアドリブなので

最後までどう展開するか分からない！

そんなハラハラドキドキを楽しむジャムセッション

全く正反対にも思えるジャムセッションの

どんなところがレコーディングに役立つかというと

「ぶっつけ本番力」

とでも呼びましょうか（笑）

ジャムセッションは常にアドリブ

その時出した音、フレーズがリアルタイムで

進行していきます

失敗したその瞬間はすぐ過ぎ去ってしまい

戻ることはできない

失敗してもやり直しができない

一球入魂の状況下にあると言えます！！

ジャムセッションでは

演奏のその時々で

頭に浮かんだ音を

自分の持ち合わせている

技術と能力で

一番良い音を

コンマ何秒という速さで

取捨選択して演奏しています

このやり直しのきかない状況で

音を選び演奏しきるという環境が

レコーディングで

いいテイクを録音するための

本番の演奏力を向上させます！

最良のテイクを録るために

何度も弾き直したりしてたものが

ほんの２～３テイクで

バシっと決まったり

臆せず最初の一音を奏でられるようになります！

正反対のような性質の

ジャムセッションとレコーディングですが

音楽として密接に影響しあってるんですね。

ということで

次回も

ジャムセッションの

生のバンドアンサンブルから

レコーディングにいかせる

ポイントについて

お伝えしていこうと思います！

それでは～！

大島直樹

FTJS！の大島直樹です。

今回のお題は「テクニック！」

とはいっても

こうすればいいですよー！

という具体的な方法ではなくて恐縮なのですが

テクニック指向を突っ走ってきた僕から

テクニックを習得する上で

気にかけてほしいことについて

お話したいと思います。

技術や超絶テクニックを

根本から否定する訳ではありません！

むしろテクニックはあってOK!!

技術的に余裕があるとアンサンブルで
周りを助けることもできるし

うまく体が動くと、いろんな曲にもすぐ対応できる

ルックス的にも派手でカッコいい（笑）

上手く弾けた時はやっぱり嬉しいし、とっても楽しい！！

ただ、テクニックを習得したり、技術を向上させるにはやはり

それだけの時間が労力が必要になのも事実。

一日８時間とか狂ったように練習できる人は

限られると思いますし

仕事や日々の生活に

時間が追われる現代人は

練習時間を捻出するのだって一苦労

だからと言って

一番して欲しくない時間の作り方は

「極端に他人との交流をなくしまうこと」

限りある時間ですから

何かしら犠牲にしないと

いけないことも

もちろんあると思います

ただ

あまりに行き過ぎると

家に引き蘢って修行にしてしまう

まじめな人程

そんな傾向にある気がします

友人はおろか、音楽仲間との
コミュニケーションの時間を減らし、
家に引きこもって
メトロノームとひたすら練習

これを乗り越えないと
楽しくならないんだ
上手くなれないんだ

とさらに一人練習に拍車をかける

テクニック至上主義になると

他人やいろんな音楽に対しても

テクニックがすごいか
上手いか下手か
どれだけ速いか（笑）

みたいな価値観でしか
評価できなくなってしまいます

社会との繋がりまでも犠牲にして

一人の世界で修行にしてしまうこと

これほど孤独なことはない

音楽は一人じゃできない

演奏する人のほかに

一緒に演奏する人
聞いてくれる人、
伝えたい人
応援してくれる人
理解してくれる人

相手がいるからこそ

音楽が成り立つ

何のためのテクニックなのか

テクニックでどうしたいのか

アンサンブルを楽しむ為のものに

して欲しいし

それでいて

仲間と音楽を共有できる

環境に感謝できるように

時間を大切にしたい

そんなお話でした！

それでは～

大島直樹

FTJS！の大島直樹です。

今回のテーマは

バンドアンサンブルの伴奏時のコツ！！

ということで

「伴奏時はドラムのどこを聞けばよいですかー？？」

はい、答えは「バスドラムを中心に聞くようにしましょう！」です（笑）

アンサンブルする上で絶対必要になってくる伴奏

ベースでもピアノでもギターでも何でも

伴奏するからには良い演奏したいし

歌のバックとか

誰かに頼まれたりした時は

鉄壁の伴奏してやるぜ！！

なんてよく

僕は意気込んでいました（笑）

そして

いい伴奏＝超正確なリズムだ！！

ということで

どういう考えで始めたのかはよく覚えてませんが

「ドラムのハイハット」のみに

フォーカスして聞いて

ハイハット刻みにまさに音を当てていくような

演奏をしていました。

すると不思議なことに

正確どころか

モタるは

早くなるはで

リズムはふらふら

全く安定しない

自分はリズム感がないんだと

落ち込み

家にメトロノーム相手に

練習のため引き蘢る！

という負のループに突入していきます（笑）

ドラムのハイハットは

例えば8ビートだったら、

8ビートの基本リズムのみを

刻んでいて

メトロノーム的に聞こえますが

そういう聞き方をしてしまうと

グルーヴもしない上にリズムも安定しません。

譜面上では理屈として合っていても

どうもしっくり合わない

なんてことも起こります

逆に、バスドラムは、

同じ8ビートでも、

色々なパターンがあり

その曲に合った表現のパターンになっています

なので、

ギターのカッティングやコードストローク、
ピアノのコード、
ベースラインなどなど

伴奏の際は

このバスドラムのパターンにフォーカスしましょう！

腹にズシっとくる低い音を感じることによってリズムも

安定してきますし

バスドラムのパターンに呼応するように

演奏することで

まとまりのあるアンサンブルになりやすいです

「伴奏時はバスドラムを軸にする！」

セッションアンサンブルのちょっとしたコツです

耳が慣れないうちは

聞こえずらかったりするかもしれませんが

慣れてくると

何となく合わせてた時とは

違ったバンドアンサンブルの

リズムの捉え方ができると思いますので

ぜひ参考に楽しんでみてください！

大島直樹