Category Archives: アドリブのコツ

今回は【セッションで最も大事なのに最も意思疎通がしにくい音楽理論】というお話。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして来ております。

今回はずばり、覚えるべき最低限の音楽理論の話に入って行くのですが、

先に結論を述べると
「各キーのメジャースケール＆３和音のダイアトニックコード」
です。
もうこれは暗記のレベルの知識です。

要は
その曲がなんのキーなのか把握していることと
コード進行を追えるってことが大事ってことです。

さて、以前に、セッションで起こった
「嬉しかった」あるいは「困った」エピソードを募集したところ
送ってくださった方がおりました。
一部引用します。

〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜
ボーカルセッションで譜面は渡されたのですが、指定キーは違う時がありました。
私が困ってると誰かがアイパッドで移調したものを貸してくれました。
しかし、コードだけというのは、とても弾きにくく大変でした。
〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜

ふむふむ。

つまり、
例えば渡された譜面にはキーがCで書かれているのに、
「これをDに移調して演奏してください」という話。
プレイヤーはカラオケマシーンではないよの…（汗）

そこに書かれているアルファベットを見て別のコードに
頭の中で変換しながら演奏しなきゃ行けない…
考えただけでも頭の中がパンパンです。

曲のコードを追うだけで終わってしまいそう。

そしてもう１つ
「コードだけというのは、とても弾きにくく大変でした」
これはピアニストあるあるですね。

というわけで、今回は
コード理論にまつわる楽器別あるあるをご紹介します。

もちろん、個人により、
楽器歴や音楽理論の学習量など違いますので、
ひとくくりには出来ませんが、
「単一の楽器を始めて、その楽器を演奏するためだけにちょっと音楽理論を勉強した」
単一楽器初心者から中級者の型の傾向です。

【ピアニストあるある】

五線譜にはめっぽう強いが、コード表記には弱い。
ほぼ同じ意味ですが、
譜面通りは大得意だが、自由度の高いアドリブには弱い。

それぞれのスケール（音名）把握は強いが、移調に弱い。

【ギタリストあるある】

コード譜には強いが、五線譜は読めない。
TAB譜使用の場合、コードすら分からない。

フレットの平行移動で移調が出来るので、
たとえ理屈は分からなくても移調には強い。
カポタストはその最たるもの。
（カラオケのキーチェンジャーの如く瞬く間に移調できる道具）

形で覚えているので、今自分が何の音を弾いているのかは
よくわかっていない。

【ベーシストあるある】

ほとんどの特徴がギタリストと似ているが
単音演奏メインのためカポタストは使わない。

そして、
単音演奏メインのため
コードを和音として捉えておらず

大文字のアルファベットしか良く分かっていない。
初心者ベーシストにとっては
AもAmもA7も全て「ラ」の１音でしかない。

【管楽器あるある】

（移調楽器の場合）移調されたキーで把握している。
そのため、他の楽器とのキーずれが常。

冒頭で紹介した、
「そこに書かれているキーとは違うキーで演奏する」
などのことが起こるので、脳内変換が大変。

単音楽器のためコード＝スケールのように捉えていることが多い
（この捉え方は誤解を招くので注意が必要）

【ドラマーあるある】

そもそもコード理論が分からない。
小節数という箱のみで理解している。

【（楽器が出来ない）ボーカリストあるある】

そもそもコード理論が分からない。
小節数や拍数すらも分からない。

はい、ざっとよくセッションに
参加するパートの特徴を並べてみましたが、
同じように曲をコードを追うだけでも、
これだけの認識の違いが生まれているかもしれません。

その楽器のことはその楽器を演奏してみないと
実際の苦労は分からないかもしれませんが、
こういう違いがあるということだけでも知っておくと
少しはやり取りが楽になるかもしれませんね。

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回は【構成把握の次にすべきことは感覚的把握】というお話。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして行きます。

第７回目は前回の引き続き、
リードシートを渡された時に見る順番。

これが身に付くと、どこを演奏しているのか分からなくなる
「ロスト」が激減します。

第６回目では「まずは曲の構成を把握しよう」
というお話でした。

コード追うことに一生懸命になってしまい、
「木を見て森を見ず」の状態にならないように注意

ということでした。

その次は、キーとかコード進行とか言いたいところですが、
その前に（少し特殊な条件が必要ですが、）
実は感覚的理解を先に行えると「スッ」と
コード進行の流れが覚えやすくなります。

それは？

【落ち着きどころを感覚的に理解する】

その場で
リードシートを渡されて打ち合わせもなくやるのあらば、
ちょっとその状況は作りにくいですけども、

特殊な環境とは

「Aメロやサビなどの構成を念頭に置きながら、
全体の流れ（特にハーモニーの流れ）を聞き取れる環境」

それを作れると良いです。

出来るならば、
・実際の音源を聞く
・コード進行と簡単なリズム（クリックとか）だけ、
　などの簡単なカラオケ音源を作り、聞く。
・その場で知っている人たちにコードの確認として実際に演奏してもらう。
などの状況を作って、

「コード進行を視覚的に、理論的に理解するのではなく
まずは耳で感覚的に理解する」ことが大事です。

その時にどのような観点で聞くのかというと、
「どこでハーモニーの落ち着きがやってくるか？」
これをしっかりと身体で感じながら聞いてください。

その時にリズムに強い人は
「◎小節目で落ち着く」など、
リズム的にもフォーカスできると尚良いです。

ロストする確率が圧倒的に低い人は
実はこのように
「曲をハーモニーとリズムのそして、メロディの３面から捉えています。」

（メロディは、
テーマメロディがそのコード進行を聞いた時に
脳内でうっすら流れているようなイメージ）

１コードや２コード系の曲の場合は
もしかしたら、「落ち着く感覚」が得られないかもしれませんが、

ほとんどの曲には
音楽は落ち着きと盛り上がりの波で出来ていますので
必ず、コード進行が落ち着く箇所があります。

理論的なことを言えば、
トニックと呼ばれるコード群
I（１度メジャー）やVIm（６度マイナー）などですが、
そうやって理論的な理解の前に
「盛り上がって落ち着く」
「落ち着いた状態から盛り上がって落ち着く」

というのを耳で（何となくで良いので）把握できるようになると
リズムも捉えられやすくなるし、
なによりもアドリブ中の
一番大事なところを押さえることになります。

【落ち着きどころで着地できれば万事OK】

アドリブセッションには
アドリブだからこそ言える
最強にして最愛の言葉があります。

それは、
「落ち着きどころで着地できれば万事OK。
それがあれば盛り上がりどころは何やっても良い。」
です。愛がありますね〜。

もちろん、
一応最初に決めた曲なりコード進行なりを
はなっからぶち壊すような演奏はお勧めしませんが（汗）

多少間違えたって、
落ち着きどころで、音程やリズムを外したりしなければ、
大抵うまく行きます。

でも逆にいうと、
着地点を見誤ると
途端にダサくなりますし、見事にみんなにバレます（笑）

着地点は
リズム、メロディ、ハーモニー全ての要素を内包しているので、
どの楽器にも言えることです。

コードを追おう追おうとしている時は、
見失った時のリカバーがなかなか出来ないものですが、

ソロ中や、コードが追えなくなった瞬間などに
「耳で感覚的に落ち着きどころが分かっている」と
大きな失敗をせずに済み、ロストせずに戻ってこれます。

曲全体の構成を理解したら、
「ハーモニーの落ち着きどころを耳で感覚的に把握する」です。

「今何の音がなっている」とか細かいことは分からなくても大丈夫です。
まずは、「落ち着きどころがどこか」それがわかる耳を徐々に養ってみてください。

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回は【手癖フレーズ脱却法！？】です。

今回の内容は、
近日に発売予定の電子書籍教則本

【リズム感コンプレックスをやっつける３つの方法】
の一部を先取りで公開していきます！

それではどうぞ！

いきなりですが、
アドリブをやっている人、やったことのある人が持つ
代表的なお悩みの中でも、１，２を争うもの。

それが、
「手癖フレーズでマンネリなアドリブになってしまうんです…。」
というもの。

このお悩みに対する対処法は、
もちろん人の数だけあるのですが、
今まで沢山の生徒を見てきて、
ほぼ100％の人に当てはまる解決法があるので、
今回はそれをドーンと公開します！

とは言っても、答えは簡単。

【他の人がプレイする
リズムバリエーションに耳を集中しましょう！】

アドリブと言うと、
スケールやコードなど、「本で解説しやすい理論」
がよくメディアや教則本に載っているため、
そういう理論的な事が分からないと、
多彩なアドリブは取れないと思い込んでいる人が、
どうやら多いようです。

でも、ちょっと考えてみて下さい。

メロディやハーモニーというのは、
1オクターブを12の半音で区切った
現在一般的な楽器でプレイする限り、
「12個の音の組合せでしかないのです。」

もちろん、12個を様々に組み合わせれば、
それだけでも十分なバリエーションは作れますが、
その全てがカッコいいわけではないし、
やはりその数というのは限られてきます。

ところが！

話をリズムに持っていくと、
このバリエーションの数と言うのは、
まさに天文学的な数字になります！！

全音符、2分音符、4分音符、8分音符、3連符、16分音符、
5連符、6連符、7連符、32分音符…、
と、音符のバリエーションだけでも様々だし、
これが拍ごとにまた違ったバリエーションになり、
さらに小節ごとにまたバリエーションが付き…、

と、まさに留まる事を知らない
リズムバリエーションを考えることが可能なのです！

もちろん、この方向だけで考えすぎても、
非常につまらない音楽になるので、
いい塩梅を知ると言うのが一番大事です。

でも、こうやって考えてみると、
音程でバリエーションを作るより、
リズムでバリエーションを作った方が、
圧倒的に広い世界が待っているのは、
容易に理解して頂けると思います！

続きは是非電子書籍で！

それでは、今日も一日
ガツンとグルーヴさせていきましょう！

今回は【セッション的『情けは人のためならず』】というお話。

最近音楽理論関係の記事を書いたり、
アドリブの動画送ってくれたら見ますよというようなことをしていたら

こんなような質問を頂きました。

「FTJS！の面々は「アドリブはシンプルに」ということを強調されておりますが、
多彩なスケールを使った方が面白いと思うのですが…」

というような趣旨の内容でした。

とても良い質問でしたので、
僕の回答を一部加筆修正してシェアします。

【なぜシンプルにを強調するのか？】

僕らが「シンプルに」という点を強調しているのは、
ジャムセッションはアンサンブルのコミュニケーションありきで
「他人に伝わること」が大事だと考えているからです。

しかし、そのような練習は一人では出来ないので、
多くのプレイヤーはアドリブの練習として
手数を増やすこと、理論を詰め込むことに走ってしまいます。
（もちろん悪いことではありません）

しかし、そのままの延長で、実際のセッションに参加すると、
コミュニケーションをする視点が欠落しているので、
「他人に分かりづらい伝わらないアドリブ」となってしまう
傾向があります。

その、自主練習では練習することが出来ずに
見落としがちな視点を養う意味で、
「シンプルに分かりやすく」を実践してもらうことを
強調しています。

なので、伝わるのであれば、
多彩なフレーズを使い分けることは
楽しい刺激となりますので、むしろ大歓迎です。

そうするとおそらく次の疑問が生まれてくるでしょう。

【なぜ他人に伝わる演奏の方がいいのか？】

セッションなんて別に、
自分が気持ちよく演奏できればそれで良くない？

という疑問がわき起こるでしょう。

では次のようなことをイメージしてみてください。

・自分が盛り上がりたい時にメンバーが合わせて盛り上げてくれる

・自分のフレーズの変化に気付いてバッキングが反応してくれて変化をつけてくれる。

そんなようにメンバーがしてくれたら

一人で盛り上がる以上に楽しいと思いませんか？

少なくとも僕らFTJS！はそれが楽しいと感じています。

「情けは人のためならず」

ということわざがありますね。

これは
「人に情けをかけることは、その人のためだけに留まらず、
巡り巡って自分にも良いことが起こる」
という意味です。

そう、メンバーのために
「分かりやすいフレーズを心がけること」は
結局
「自分が一人で盛り上がる以上に楽しい時間が過ごせる」
ことに繋がってくるのです。

人とのコミュニケーションは
言葉の会話でだってうまく伝わらないことの連続です。

ましてや音と身振り手振りだけで伝えることなんて
やってみると相当難しいですよ。

言葉で伝える時と同じです。

要点自体は一言で言い表せられるほどシンプルで
そこに装飾的に多彩な言葉がついて独自の表現となります。

アドリブもそれと同じで、
「伝わりやすい」という
基礎を押さえた上で、
多彩なフレージングを心がけてみてください。

緩急つけた時の相対的な差が更に
変化を気付きやすくしてくれますしね！

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回は【人生をグルーヴさせるプロになる方法！？】です。

実はこの記事は僕のツイッターで
行っている連続ツイートシリーズの一部。
(斉藤彰広のツイッターアカウントはこちら
https://twitter.com/saitoakihiro)

かなり反響があったので、
こちらでも改めてシェア致します。

(1)先日、とある音楽とは
まったく関係ないセミナーに参加しました。

内容自体とても刺激になったし、
面白かったのですが、
一番の気づきは
【習うプロになったら
　人生はもっとグルーヴさせられる！】
という極意でした！

(2)セミナーのあと懇親会があったのですが、
そこで飲みながらのお話。

ある人は
「今回の内容、俺だったらこうするのにな。」
と言いました。

ある人は
「今回得た事をすぐにそのまま試してみます！」
と言いました。

さて、どちらが結果を出すでしょうか！？

(3)ちなみに僕は
後者の考え方を支持します。

なぜなら
「楽器が上達し、
アドリブできるようになる人は
みんな後者の考え方だから！」

意外に感じるかもしれませんが、
アドリブなんていう
不確定要素の多い音楽でも、
【我流】が実は一番の
成長の妨げだったりするのです！

(4)ある一定の基礎を
まずは身に付けると、
絶対に、嫌でも
個性というのは出てしまいます！

1人1人顔が違うのと同じで、
同じ方法論でやっても、
絶対に違う部分が
自然と生まれてしまうのが人間。

なので、無理に個性を出そうとか、
アウトしようなんて考える必要がありません！

(5)ところが、
多くの人がこれを我慢できない。

素直に基礎をマスターしてしまえば早いのに、
基礎ができていない段階で
我を出そうとしてしまいます。

すると、セミナー講師の先生より
明らかに実力が無いのに、
「俺ならこうするな！」とか、
言いだしてしまうのです。(笑)

それが失敗の大元なのに！

(6)変な言い方ですが、
結果を出している人の言う事は
素直にそのままパクって
しまえば良いのです！(笑)

なぜなら、
ダントツの結果を出している人は、
才能とか運とかも多少あるとは思いますが、
それより何より『考え方が違う！』からです。

その大元である
『考え方』をパクれれば、
同じ所に行けます！

(7)変に自分の意思を入れたり、
ヘンテコなアレンジを
しようとすればするほど
失敗、駄作に近づきます。

もちろんある一定レベルを超えると、
今度は基礎を壊す作業が必要になります。

でも、その段階に
行けている人はほんの一握り。

僕を含めて、あらゆる分野で
大抵の人は基礎を作る段階にいます！

(8)僕自身がインストラクターとして
音楽を教える立場なので、
何気ない飲み会の何気ない一言だったのに、
こんなことを感じてしまいました。

そしてさらなる結論としては
【ものごとを習うプロ
　になれたら人生はグルーヴする！】

あらゆる分野、場面で
無駄な自我を消し、
素直にものを聞き、実行する。

(9)それこそが実は一番の近道だし、
人生を楽しむコツなのでは！？

そんな気がしたセミナー参加の感想でした。

実際そういう自然体の人が、
実は一番個性的だし、面白いですしね。

一つの指針が見えました！

以上連続ツイートまとめでした。
ピンときた方は是非参考にしてみてください。

またツイッターをやっている人は
是非僕のアカウントフォローして下さいね。

ほぼ毎日オススメ曲や動画、
連続ツイートなどお送りしています。

斉藤彰広のツイッターアカウントはこちら
https://twitter.com/saitoakihiro

合わせてどうぞよろしくお願いします。

今日も一日ガツンとグルーヴさせていきましょう！

今回は【打楽器として捉えるのがセッション流！？】です。

今回の内容は、
近日に発売予定の電子書籍教則本

【リズム感コンプレックスをやっつける３つの方法】
の一部を先取りで公開していきます！

それではどうぞ！

ドラムやパーカッション以外の
ほぼ全ての楽器には【音程(ピッチ)】という概念があります。

そして音程があるというということは、
大抵の場合【和音(ハーモニー)】も生まれます。

そして、そこには【音楽理論】が生まれ、
それを学ばないとバンドアンサンブルではぶつかりまくってしまうし、
なかなかアドリブはできない…。

なんて風に、かなり難しく、
ひどい時には深刻になるまで音楽を考えてしまっている
ドラム以外の楽器プレイヤーの方を、たまにお見受けします。

もちろん、音楽理論やハーモニーを深く知ることは
音楽の助けになるのですが、
実際アンサンブルしている人間からすると、

「そんなに神経質に考えてないよ！(笑)」

というのが本音だったりします！

実は多少音程やハーモニーがぶつかっても
その場でパッと切り替えて対応すればほとんど問題ないし、
むしろその不協和音がかっこよくなったりすることもあります。

そんな部分よりも、
明らかに大事なポイントであり、
こちらに意識がいかないとガッツリぶつかるものが
アンサンブルににはあります。

それは【リズム】！

リズムが合わないと、
どれだけ綺麗な音程や和音で演奏しても
なぜか気持ち悪くぶつかって聞こえます。

そこで、ドラム以外の音程のある楽器プレイヤーこそ
【自分の楽器を打楽器として捉える！】
という意識を持つと、いろいろ解決策が見えてきます。

当たり前ですが、
他のプレイヤーが音を出していないタイミングを狙えば、
どんな音を出しても絶対ぶつかりません。(当たり前。笑)

また、小節の頭など、
しっかり合わせるべきところで
しっかりとした音程、ハーモニーを奏でると、
自分が思った以上に綺麗に力強く響きます！

特に楽器初心者は、
「小難しい音楽理論より、まずは気持ちのいいリズム！」
に意識を向けていくと、良い結果が待っています。

自分の楽器と周りの楽器全てを打楽器だと思いつつ、
アンサンブル全体を聞いてみましょう。

きっと、新しい発見があるはず。

音楽は切り口を変えれば、
いくらでも新しい聞こえ方をしてきます。

いつでも新鮮な気持ちで、
ガンガン楽しんでいってしまいましょう！
続きは是非電子書籍で！

それでは、今日も一日
ガツンとグルーヴさせていきましょう！

今回は【リードシートのを読み解く順番】というお話。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして行きます。

今まで
第一回目は「音楽理論は「難しい」と思うから難しい。」
第二回目は「アドリブは出来ないと思っているから出来ない。」

第三回目は「音楽理論は音とセットで覚えよう。」
第四回目は「覚えることは絞った方が良い」
第五回目は「ジャムセッションに最低限必要なもの」

今回の
第六回目は前回の結論「リードシートが理解できればジャムセッションできる」
から続きです。

【リードシートとは？】

前回のおさらいですが、
「リードシート」というのは

コード進行や前奏部分、メロディ、キメなど、
その曲の主要な部分だけが記された簡単な譜面のことを指します。

ジャズスタンダードブックやリアルブックと
呼ばれるようなものに載っている譜面がこれです。

ほとんどの曲が１ページにまとまっています。

裏を返せば、
１ページにまとまるくらいの曲が昔から愛されているとも言えますね。

セッションの現場では、
やりたい曲の「リードシート」を人数分用意しておいて、
その場で配って演奏する、なんてことも良く見かける光景です。

【なぜコード進行を追おうとするのか？】

ここで僕は強く疑問に感じていることがあります。

「なんで処理が間に合わないのにコード進行を追おうするの？」

ということ。

初見プレイに慣れてない人で
中途半端に理論を理解している人ほど
紙に穴があくんじゃないかってくらい一生懸命コード進行を追ってしまいます。

基本的にはバッキングにはあまり参加しない
管楽器の方でも同じ傾向があります。
（もちろんついて行けるなら追えた方が良いですよ）

コードに沿うようなソロは
次のコード進行に向かうようにフレージングしないと気持ちよくならないし、
そもそも、その曲の主要キーが分かれば
転調でもしない限り「スケール一発」でアドリブできます。

理論を本当に理解しているならば、
他のメンバーがコードなり、リズムなりで支えてくれるソロ中は
そこはシンプルに一発と割り切ってしまって、

特殊なコード（セカンダリードミナントとか裏コードなど）
の部分だけに的をしぼって特徴的な音を使って行くことが出来ます。

追わなきゃ追わなきゃって気持ちでコード進行を追う人は
大抵重大なミスをしでかしてしまいます。

【リードシートで一番最初に把握すること】

リードシートには以下のような情報が記載されています。
・曲名
・目安のテンポやリズムパターン
・特殊なイントロがあれば「イントロ」
・その曲の主要キー、セクションで大きな転調があればそれも
・コード進行
・テーマのメロディ
・みんなでキメを合わせるところのリズムやメロディ
・特殊なエンディングがあれば「エンディング」
などが五線譜も用いながら書かれています。

では、このリードシートを見た時に
「一番最初に把握するべきこと」は何だと思いますか？

順番にみると曲名などが目に飛び込むかとは思いますが、
演奏する上で、まず始めに頭に落とし込みたいことです。

ちょっと考えてみてください。
・
・・
・・・・
・・・・・

はい、では答えです。
これはと〜〜っても意地悪問題です。

答えは「曲の構成」です。

上に書かれていないことが答えでした（笑）
でも実際に「曲の構成はこうなっています」と
明記されていないものも多いです。

実はこれが大きな失敗をしてしまう人の見え方だったりします。

つまり、
「木を見て森を見ず」という状態に陥ってしまうということ。

「イントロがあって８小節のAメロがあってそれを２回繰り返して、Bメロが…」
というような構成のアウトラインを理解する前に

キーがなんだとか、リズムやテンポがなんだとか
細かいことに意識が持って行かれてしまいます。

ちなみに
最近では右上とかに親切に構成が書かれているような
リードシートもあります。

そうやって書かれていない限り
構成は見えにくいのです。

これはキーなどの細かい指定がない、
ドラマー的な曲の捉え方ですが、

他の楽器プレイヤーもまずは
構成はしっかりと把握した方が良いですよ。

【五線譜表記は実は非合理的！？】

先に断っておきますが、
五線譜での演奏の表記ほど
超合理的な音楽の記載方法はありません。

でもそれは、
「紙上に如何にコンパクトに記載するか？」
という合理性も兼ね備えているので、

子供の頃から読み慣れている人には
「そういうもの」なので読みやすいかもしれませんが、

僕が思うに
セッション的な理解としては、かなり非合理的なものです。
理由は
セッションでは４小節単位で理解した方が良いからです。

その観点から見ると五線譜は
・１段１段を隙間なく使うために段ごとに小節数が違う
・繰り返し番号やCodaなど、
４小節の区切りではないグルーヴ的に気持ち悪いところでもおかまいなく
視点を飛ばされる。

これらは表記のスペースはかなり削減されるので、
「譜面を追って演奏」するならばページめくりの回数が減らせるので良いでしょう。
しかし、
グルーヴ的なことを言えば、
４小節区切りを理解しづらくさせる非常に非合理的な表記とも言えます。

「なかなか構成が把握できない」とお困りの人は
まずは４小節区切りのコード表なんかに書き直してみることをお勧めします。

そうすると
１７小節とか３０小節とか４で割れない曲なども
謎が解けてロストしなくなってきますよ。

たとえば
「４段目だけ５小節で１７小節になっているとか」
「Bメロからサビに向かうところで
　２小節あおりが入るから半端になっている」
とかね。

今回のまとめ
・リードシートを見たら、まずは曲の全体の構成を理解する。
・五線譜は紙上では超合理的だが、セッション的グルーヴの観点からすると非合理。
・構成は４小節の区切りで覚えよう！

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回は【セッションするのに最低限覚える音楽理論とは？】というお話。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして行きます。

今まで
第一回目は「音楽理論は「難しい」と思うから難しい。」
第二回目は「アドリブは出来ないと思っているから出来ない。」
第三回目は「音楽理論は音とセットで覚えよう。」
第四回目は「覚えることは絞った方が良い」
というような
ザックリと一言で言うとこんな内容でした。

そして今回は第五回目は前回の「覚える内容を絞る」を受けての話とのなります。

【ジャムセッションに最低限必要なもの】

ぶっちゃけ、最低限というならば、
音楽理論なんか知らなくてもジャムセッションをすることは出来ます。

感覚でやれるとかそういう話ではなく、

「この音とことの音使って遊んでみて」とか
「このリズムから盛り上がったらこのリズムに変えてみて」とか
理論を持ち出さなくても指定してあげることで
アンサンブルの形になり、それなりに盛り上がることが出来ます。

むしろ、中途半端に音楽理論を知っている方が
「これはアボイドじゃないんですか？」とか
「なんでこの時にこれを使っていいんですか？」とか

理屈先行で理解しようとしてしまうので、
その方がジャムセッションをする上では足かせとなります。
音で感じて、記憶にとどめるために補填する形で理論は後付けで良いのです。

仲間内で超シンプルなセッションを楽しむなら
「音楽理論なんかいらない」これがまず前提です。

だから良くも悪くも
必要性を感じない人には必要ではないのです。

しかし、
ジャムセッションが行われている場所では
曲を題材にしたセッションを行うことが大半です。

その時に、知らない曲でも
ある簡単な譜面を読み解くことができると
その場で合わせることも出来るようになっています。

それは「リードシート」です。

【リードシートを読めるようになれば、ジャムセッションは出来る。】

「リードシート」というのは

コード進行や前奏部分、メロディ、キメなど、
その曲の主要な部分だけが記された簡単な譜面のことを指します。

ジャズスタンダードブックやリアルブックと
呼ばれるようなものに載っている譜面がこれです。

ほとんどの曲が１ページにまとまっています。

裏を返せば、
１ページにまとまるくらいの曲が昔から愛されているとも言えますね。

セッションの現場では、
やりたい曲の「リードシート」を人数分用意しておいて、
その場で配って演奏する、なんてことも良く見かける光景です。

なので、その「リードシートを初見で理解できる」というのが
ジャムセッションで最低限必要な音楽理論。
それが詰まっているのではないかなと思います。

そのベーシックとなる「リードシートに記載されていること」が
理解できている、←これは知識で分かるという意味ではなく
実践的にアドリブに落とし込めている状態になって初めて

上級理論の「コード分解や代理コード、リズムチェンジ」などは
使うことが出来ます。

頭でっかちになりすぎしまっている人は、
徐々にアウトプットして実力に変えていってくださいね。

今回の結論は

「セッションするのに最低限覚える音楽理論」
それは「リードシートに記載されている内容がわかる」ということ。

それでは、リードシートには主にどんなことが記載されているのか？
また、その記載されていることからまずはどこから理解して行けば良いのか？
その話は次回にとっておきましょう！

【余談：楽器演奏者の天敵「カラオケ感覚ボーカリスト」】

僕が数年前にジャズバーのセッションにお邪魔した時のお話です。

まだジャズのジャの字も知らなかった頃
初心者にも優しかったので、
何回か顔を出しジャズ実践の場として通っていたジャズバーがありました。
（その頃はまだドラムでしかアドリブが出来ませんでした。）

そこでもやはり、
いろんな人が「リードシート」を持ち寄って、セッションを繰り広げています。
僕もビビりながらリードシートを追いながら構成に沿って演奏していました。

曲ごとに「良くやられるキー」はありますが、
ボーカリストが入るとその前提がなくなることがあります。

その時に集団でやってきていたのは
どこかのジャズボーカルスクールに通われているであろう
ボーカリスト達だったので、

そのスクールの教えかは分かりませんが

自分の声域にあったキーにしっかりと変えて譜面を用意していました。

カラオケにいくと必ずリモコンについてる
「キーチェンジャー」で上げ下げすることをイメージしてください。

あんまりやらないような
♯や♭がいっぱいついてるようなキーで持ってきたりして、

もう半音上げるか下げるかしてくれたら凄く演奏しやすいのに！

と思いますが、セッションの場所では
テーマ演奏者および歌唱者のリクエストは受けるのが暗黙の了解なので、
そのまま渡されたキーで演奏します。

ホストは慣れた様子で演奏していても、
他のそのキーに慣れていない参加者は必死に譜面に食らいついて追って行きます。

そして、ボーカリストの暴走は未だ続きます。

（今思えば、そのボーカリスト集団は
めちゃくちゃ緊張してテンパっていました。）

歌を歌いきったら、後は丸投げにしてしまい、
ホストの方がアドリブを始めたら、
他のソリストにまわす前にまた歌に入ってしまったり

他の方は、やたらテーマ長いな〜と思ったら、
アドリブすることなくエンディングまで歌いきったり

まるでカラオケ状態でした（苦笑）

キーを変えるのは、挑戦にもなるのでまだしも、
せめて楽器演奏者にアドリブをとらせてあげて欲しかった（汗）

初見セッションで

ドラマーの最恐のできごとは
「構成を間違える。エンディングで終われない」という曲の構成が把握しきれないこと。
その代わり
ドラマーの最大のアドバンテージは「キー関係ない」ということです。

なので、この話は、他人事ですが（笑）
当時僕が他の楽器で通っていたら「やめてくれ！」
と悲痛な声を上げていたことでしょう。

アドリブセッションに参加したいピンボーカルの皆さんはせめて
・楽器演奏はカラオケのキーチェンジャーのように簡単な発想で移調は出来ない。
・下手でもいいからスキャットで自分自身もアドリブがとれる
という点は踏まえておいた方が良いかもしれませんよ。

こんな感じのみなさんの
セッションで嬉しかった体験、困った体験などなど
エピソード募集しています！
メールに返信または問い合わせから送ってきてくださいね♪

では今回はここまで！

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

さて、今回は【覚えることを絞る】というお話。

音楽理論とのうまくつきあって行く方法について。
数回に分けてお話しして行きます。

今まで
第一回目は
音楽理論は「難しい」と思うから難しい。

第二回目は
アドリブは出来ないと思っているから出来ない。

第三回目は
音楽理論は音とセットで覚えよう。

というような
ザックリと一言で言うとこんな内容でした。
（ザックリしすぎ！？笑）

そして今回は第四回目

【初めてのカレー作り。あなたに必要な料理のレシピは？】

ちょっとイメージしてみてください。
あなたは、初めてのカレーを作ることになりました。
（作ったことある人は初めて作った時のことを思い浮かべてください。）

夕方７時前
仕事や学校、部活などが順調に終わり、
おなかも空いた。早く何か食べたい！という状況。
ちょうど夜ご飯時の帰り道。

そういば今日は家族に頼まれてて
自分でご飯を作らなくてはらないんだった。

家の冷蔵庫には確か、
タマネギと人参とジャガイモと…カレーが作れそうだな〜
足りない食材は帰り道で買い足そう。

しかし、カレーは何度も食べてはいるものの
自分で作るのは実は初めて。

あなたはネット検索なり、雑誌なりを使って
「カレーのレシピ」を探しました。
（カレールーの箱の裏側にのってるんですけどね　笑）

しかし、そこであなたの目に飛び込んできたのは
「スパイスを調合して、カレー粉を作るところからのレシピ」だった…

はい。想像はここまで。

この時のあなたは
・まだ料理自そんなに体慣れていない
・おなかも空いてて出来るだけ簡単に作りたい

という状況だったとします。

果たして、この時のあなたに。
スパイスから本格的なカレーを作る知識は必要でしょうか？

もちろん、カレー大好きで
スパイスからこだわって作りたいならば話は変わってきますが、
今の状況には合っていないですよね？
こういうことは
音楽理論を覚える時にもおこっていたりします。

【本当にあったロックバンドマンの理論挫折】

僕は高校生の時に軽音楽にハマり、エレキベースを始めました。

エレキベースを始めた理由は
「みんなギターとかボーカル希望で、幼少からやっている人はキーボードやってて、
ドラムは両手両足動かすから難しそうで、じゃ競合が少なそうなのはベースじゃね？」

という
安易なねじ曲がった価値観でベースを選びました。笑
（始めた当時はベースの役割すら知りませんでした。）

そこから教則本を買って演奏を一から覚え
最初はTAB譜という弦楽器専用の譜面で
練習していました。

（注）TAB譜は弦楽器の「１弦５フレット」などどこを押さえるのかが書いてあるので、
音楽理論も楽譜も分からなくても書かれているものは演奏できる
いわゆる弦楽器のチートシートです。

そして、理論もなにも分からない状態で
「自分の曲が作りたい！」と思いました。

とはいえ楽譜も読めないし、理論も分からないので
本屋で「楽典」を見つけ
「確か音大に行く人はこれを必要な知識として覚えるんだよな〜
じゃあこれ網羅すれば作曲できるかな？」と思い
それを買うことにしました。

そして、「真面目に１ページ目から」勉強をし始めたのです。

そこに最初の段階で書いてあったものは
「１２平均律」や「純正律」という調律の話でした。
また、少し読み進めても、表記は嬰ヘ長調や変ロ短調、など
聞き慣れない日本語表記ばかりで

更にパラパラとページをめくれば、
音符があまりにも多くて
ぱっと見真っ黒なページなどなど
一通り見終わってパタッと本を閉じました。

そして、二度とその本を開くことはありませんでした。

その後別の形で音楽理論を身につけだすまでに
半年以上かかりました。

本当にあった話です。

【それは本当に今必要な知識なのか？】

これらは確かに音楽の基礎中の基礎ですが、
その時の僕にとっては全く必要ない知識。

僕は
・音楽理論のことを良く分かってなかった
・すぐに曲が作りたかった

僕が知りたかったことは
コード進行やスケールのことだったのに

それ以前の成り立ちの話もそうだし、
既に知っている言葉も違う呼び名で覚えるのです。
（嬰ヘ長調はF＃メジャーキー、変ロ短調はB♭マイナーキーのこと）

まるで、
カレーをスパイスから作るための知識を覚えるような
ことになってしまったのです。

目的が脱線してしまうと人はモチベーションがダダ下がりしてしまいます。

これが、音楽理論を覚えるのには負のエネルギーになります。

今の情報の洪水のような時代では特に
取捨選択しないと何がなんだか分からなくなってしまいますからね。

今覚えようとしていることが少なくとも
「今の自分」に必要かどうかを考えて

「覚えることを絞る」
これを実践してみてくださいね。

では今回はここまで！

次回は、「アドリブセッションに必要最低限の理論を考える」
というお話です。

今回の内容が少しでも参考になれば幸いです。
みなさんの音楽ライフが
より豊かになっていくことを願っています♪

今回もお読みいただきありがとうございました。

執筆は畠山勇一。またね！

今回のテーマは【元気と未来のタイム感があれば何でもできる！？】です。

実はこの記事は僕のツイッターで
行っている連続ツイートシリーズの一部。
(斉藤彰広のツイッターアカウントはこちら
https://twitter.com/saitoakihiro)

かなり反響があったので、
改めてシェア致します。

(1)僕の持論で
【人生単位のリズムをグルーヴさせられる人は何でもできる！】
というのがあります。

というか、今作りました。(笑)

もちろん猪木さんの
「元気があれば何でもできる！」
に影響を受けています。(爆)

でも、色々な角度から考えても
あながち間違いじゃない、と確信しています。

(2)音楽の世界でグルーヴというと
大抵は時間の感覚、「タイム感」
について語られることになります。

そして、この「タイム感」というと、
それこそ大抵、時計やメトロノームのような
「正確さ」にばかり言及され、
そしてそれを体得するための
練習法ばかりがクローズアップされます。

(3)もちろん正確なタイム感というのは
土台であり、とても大事なものです。

音楽以外で考えても、
いつも遅刻してくるような人と
(よっぽど愛嬌があるとかでなければ)
信頼関係を築くのは難しいでしょうし、
仕事となればなおさら
タイム感の正確でない人とは
やっていけない事がほとんどでしょう。

(4)ところが、「タイム感」にある程度幅があり、
傍から見るときっちりカッチリ正確には見えない。

そんな人でも大いに人生単位で成功し、
幸せそうな人も実際にいます！

前からこの矛盾に対して、
個人的に強い興味があったのですが、
最近これに関する
一つの答えが見えたのでまとめてみます。

(5)人生的「タイム感」を
ザックリ大きく分けるならば
「過去」「現在」「未来」
の3つに分けられます。

音楽の世界でいうなれば
「過去」は譜面やレコード、
または音楽理論と言えるかもしれません。

「現在」は作曲、
または即興している瞬間と言えるかも。

(6)そして「未来」は実は音ではなく、
【まったく違う音楽コンセプトを考えている瞬間！】
と言えるかもしれません。

そして「未来のタイム感」をもった人は
「過去」も「現在」も
全て体現することが可能！という傾向があります。

(7)この話は、
音楽そのもので考えると逆に難しいので、
もっと一般的な話で考えてみます。

でもせっかくなので、
やっぱり音楽に関連したことで
考えてみましょう。(笑)

例えば「ミュージシャンになりたい！」
という夢があったとします。

(8)「過去のタイム感」のみを
もった人はこういう言動をします。

「自分には才能が無いから無理。」

以前に親や友達に否定的に言われた事、
失敗した経験、恥ずかしい思いなど、
過去の事が先に出てきてしまって、
前に進むことができません。

これは典型的な「過去のタイム感」の人の発想。

(9)「現在のタイム感」を持った人は
「過去のタイム感」も内包することができます。

よくある言動はこんな感じ。
「ミュージシャンになるために
　毎日楽器の練習をしています！」

とても基本的で素晴らしいことです。
過去に何かしら決断をして、
練習をする現在の日々に突入している。
文句なし！

(10)と、言いたいところなのですが、
残念ながらこの「タイム感」では
ほとんどミュージシャンにはなれません。

普通以下のミュージシャンに
なれるかなれないかでしょう。

そこで、全ての「タイム感」を
内包することが可能な
「未来のタイム感」の出番です！

(11)「未来のタイム感」を持つ人の
典型的な言動はこんな感じ。

「3年後にミュージシャンとして自立したいので、
成功している人の考え方をコピーしています！」

実はただ闇雲に毎日楽器を練習したり、
ただ音そのものをコピーしていたのでは
ミュージシャンになれないのです。

(12)正確には、
ミュージシャンになれるかもしれないけど、
そのやり方だと100年はかかるよ！
という事が多い。

「過去のタイム感」は論外として、
「現在のタイム感」だと
あくまで今の自分の発想の延長線上なので、
たまたま当たることはあっても、
大抵は明後日の方向への努力だったりします。

(13)「未来のタイム感」の人は、
将来こう言う風になりたいので、
今の自分の固定観念をぶっ壊して生きる！
という発想ができます。

今の日々の延長では
到底理想に辿りつかないのがわかる。

だから実際成功している人の考え方を受け入れて、
まったく違う「現在」を選択することができるのです！

(14)不思議なことに
アドリブをするとこれが顕著に見えたりします！

「過去のタイム感」の人は
細かい理論にこだわり過ぎて、
アドリブそのものに恐怖を覚えてプレイしない。

「現在のタイム感」の人は、
今できることのみを無難に繰り出そうとして、
マンネリと予定調和の波にのまれてしまう。

(15)「未来のタイム感」の人は
過去の経験の悪いところは忘れ、
現在に繋がる良いところを礎にし、
その上でまったく新しい自分に向けて
チャレンジを繰り返していきます！

日々加速度を上げて
人生単位でグルーヴさせているのです！

(16)こうして考えると、
音楽に限らず「未来のタイム感」を感じる人は、
常に人生をグルーヴさせて、
楽しそうに生きています！

【人生単位のリズムを
　グルーヴさせられる人は何でもできる！】

この持論の根拠として、
「未来のタイム感」が
どうやら強くありそうな気がする最近なのでした。

以上連続ツイートまとめでした。
ピンときた方は是非参考にしてみてください。

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