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個人練習とバンドアンサンブル練習の正しい割合とは！？

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もっと練習して

上手くならなくちゃ！

という思いは多くの方が

共通して持っています。

 

 

でも、どういう練習をしたら

一番早く、高いレベルに到達できるのか？

 

これは悩みが尽きない

のではないでしょうか？？

 

 

こんにちは！

セッションインストラクターの

斉藤彰広です。

 

 

今回のテーマは

 

【個人練習と

　バンドアンサンブル練習の

　正しい割合とは！？ 】

 

です。

 

 

大抵の人は、練習というと

いわゆる「個人練習」

をイメージします。

 

でも、残念なことに

僕の周りの人間で

「個人練習だけ」を頑張った人で

高みに到達できた人は１人もいません。

 

 

そうすると出てくるのが、

「100回の練習より

　一回のライブでしょ！」

 

というライブ至上論。

 

 

もちろん、これ自体は

間違いじゃないと思います。

 

が、やはり、ただ単純に

ライブの回数を重ねた人で

高みに到達した人を僕は知りません。

 

 

こう考えてくると、

大抵の人はこの疑問にぶつかります。

 

 

「個人練習と

　バンドアンサンブル（ライブ）の

　正しい割合とは！？ 」

 

 

実はこの答えはネイティブアメリカンの

昔からの教えにヒントがあります。

 

 

早く行きたければ、一人で行け。

遠くに行きたければ、みんなで行け。

・・・ネイティブアメリカンの教え

 

 

これを音楽の話に置き換えるなら。

 

早く上達したいならば、

個人練習が大事。

 

想像もできないくらい

今と違う高みに行きたいならば

ライブ（アンサンブル）が大事。

 

こう受け取ることもできます！

 

 

個人練習で得られるものは

あくまで今の自分が想像できることの

範囲内でのこと。

 

今の自分の延長上の成長を

素早く行うことができます。

 

 

でも、想像を超えた高みに行くには

他の人の脳を借りる必要がある！

 

音楽で言うならば、

ライブやアンサンブルの練習です。

 

そして、個人練習と

アンサンブル練習の

バランスが取れたとき、

人は物凄いスピードで変化し、

成長していきます！

 

 

実は、これを自然に行うためにも

僕は【ジャムセッション】を

強くお勧めしています。

 

個人練習とアンサンブル練習を

同時にできてしまうから！

 

この辺の秘訣はまた別の機会に。

 

 

ぜひネイティブアメリカンの教え

 

早く行きたければ、一人で行け。

遠くに行きたければ、みんなで行け。

・・・ネイティブアメリカンの教え

 

原理原則として覚えておいてください。

 

 

ますますガツンと

グルーヴしていきましょう！

音楽で結果を出す人と出さない人の違いとは！？

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

例えば、作曲家になるという道を選び

頑張っている人が二人いるとします。

 

そして、片方は作曲自体ができずに悩み、

片方はスラスラ曲を書き始めているとします。

 

この違いは実はシンプル。

 

 

【フォーカスすべきところの差！】

 

 

どういうことなのか、

具体的に解説していきます。

 

 

 

作曲ができない人というのは、

みんなある一つの共通な特徴を持っています！ 

それは、

「音楽理論書を中途半端に読んでいる。

　特にリズムの項は読み飛ばしている！」

 

 

これが作曲できない人がもつ

共通の特徴です。

 

 

 

当たり前ですが、作曲と言うのは

イメージからスタートします。 

いわゆる想像力！

では想像力が働きやすい時と言うのは、

どういうときでしょうか？

 

 

 

実は多くの方に共通して、

想像力が働きやすい状況

というのがあります！

 

ちょっと思い出してみて下さい。

 

狭い部屋のなかで、

机にかじりついている時より、

外を歩いたり、走ったり、

何か体を動かしている時に、

不意にアイデアやイメージが湧く経験を

した事がありませんか！？

 

これは脳科学的にも

証明されているようなのですが、

実は運動をしている時の方が、

人の脳と言うのは活発に動きやすく、

アイデアが出やすくなるようなのです！

（僕は専門家ではないので、

　ご興味がある方は

　是非色々調べてみて下さい。）

 

 

そして、今一度

音楽に話を戻します。

 

 

これは僕の中だけの統計なので、

科学的に証明はされていません。

 

が、多くの人が

歩いたり走ったりしている時には、

実は無意識にリズムを

カウントしています！

 

子供のころからやっている動作なので、

大人はほぼ無意識なのですが、

よーく意識をしてみると、

実は２拍子、または４拍子でカウントしながら

足を交互に前に運んでいます。

 

 

つまり、

「リズムをきっているのです！」

 

 

そう！もうお気づきのように、

音楽的な観点から言うと、

いいリズムがあると、

イメージが湧きやすい脳になるのです！

 

実際、

僕の周りの作曲を

仕事にしている人間に聞いてみると、

 

「いいリズムトラックが

　見つかるとすぐ作曲に入れる！」

 

という感想を言う人が極端に多いです。

 

 

つまり、作曲をスムーズにするには、

リズムに重点を置いた方がいい！

 

という事が、

多くの方に言えると感じています。

 

 

ところが！

 

多くの作曲できない人達は、

理論書のリズムの項を

サラッと読み飛ばしています。

 

まるで、音階がないと

音楽理論とは言わない！

と、誰かに叩きこまれたかのごとく、

きれいに読み飛ばしていきます。

 

そして、スケールやハーモニーの項を、

本に穴が開くくらい

集中して読んだりしています。

 

 

でも、実はこれは

多くの作曲志望の人にとって

得策ではありません。

 

なぜなら、

 

「スケールやハーモニーは

　適当な方が面白い！」

 

からです。

 

音楽理論を体系的に学ぶと、

この時には絶対Ａｍがくるよね！

 

というセオリーが分かってきます。

 

でも、そのセオリーを知っているからこそ、

あえてそこを無理やり

Ａメジャーだったりセブンスにしてしまう。

はたまた半音上に行ってしまう！

 

などの奇行が選択できるのです。(笑)

 

でも、これが意外と面白いサウンドになります。

 

ぶっちゃけていうと、

多くの作曲できない人が真剣に読んでいる

「ハーモニーやスケールの項」は

作曲的には適当な方がいいのです！

 

そして、すっと読み飛ばしてしまう

「リズムの項」こそ、

きっちりかっちりやった方が、

作曲的には吉なのです！

 

もちろん、かなり乱暴な意見ですが、

現場で作曲をやっている人間は

直感的にこの意見に賛成してくれます。

 

 

 

これは実地の例です。

 

 

でも、作曲に限らず、

あらゆる場面でこういうことが

起こっていると思いませんか？

 

 

そして、同じ理論書、

つまり同じ情報を見ているのに、

人によって、出てくるアウトプットが

まったく違う。

 

ある人は結果をだし、

ある人はまったく結果に繋がらない。

 

こんなことが起きるのが、

人の世の常。

 

 

それもこれも、

 

【フォーカスするところの違い！】

 

だと僕は感じています。

 

 

あなたは今日得られる情報の、

どこにフォーカスし、

どういう行動を起こしますか！？

 

ぜひ考えてみてくださいね。

 

 

思いついたら、ぜひコメント等で

僕に教えてくださいね。

 

一緒に考え、行動していきましょう！

 

今後、僕も気づきがあり次第、

記事で公開していきます。

 

今日も一日ガツンと

グルーヴさせていきましょう！

 

演奏中に頭を動かすことができますか！？

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

突然ですが、

あなたは楽器演奏をしている時

頭を動かせますか？

 

この場合の動かすとは、

「頭を使ってものを考える」

という意味ではなく、文字通り、

「頭そのものを動かせるかどうか？」

のお話です。

 

 

【体幹を脱力しよう！】

という大テーマでお話ししてきています。

 

今回の内容は、

それができているか？

のリトマス試験紙になる方法です。

 

多くの人は手先、足先の末端が

脱力出来ていれば、

楽器演奏はできるだろうと思っています。

 

が、見る人が見れば、

まだまだ力が入りまくっているのです！

 

 

なぜなら、その手足の繋がっている

体幹（胴体）に力が入っているから。

 

そして、その体幹に

繋がっている部位の中でも

一番重くて大きいのが頭部！

 

この頭部は首が支えているわけですが、

体幹に力が入ると、

この首回りも緊張し力が入ります。

 

すると必然的に

頭が動かし辛くなるのです！

 

 

ですから、ぜひ鏡を見ながら、

自分の楽器を演奏してみてください。

 

そして、鏡をみて演奏しながら

スムーズに頭が回せるが

試してみてください。

 

結構難しい人が多いと思いますよ！

 

体幹の脱力ができているかの

チェックとして

ぜひチャレンジしてみてください！

 

それでは今日も１日

ガツンとグルーヴしていきましょう！

 

一番自然なリズムとは！

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

いきなりですが、

こちらの動画をチェックしてみて下さい。

https://youtu.be/to7uIG8KYhg

 

 

結構有名な動画なので

既に見たことのある人も多いかもしれません。

 

双子の赤ちゃんが、

お父さんのギターに合わせて

ダンスをするとっても可愛くて癒される動画です。

https://youtu.be/to7uIG8KYhg

 

この動画は癒しだけで終わってしまっても

十分いい動画です。

 

が、僕はミュージシャンなので、

もうちょっと違う視点を持ってしまいます。

 

 

その視点とは、

 

「双子で、かつ

　お父さんの弾く同じギターサウンド

　を聴いているのに、

　リズムの取り方が全然違う！」

 

よく動画をチェックしてみて下さい。

かわいい！と思わず叫びたくなる衝動を押えて(笑)

冷静に見てみて下さい。(至難の業だ！)

https://youtu.be/to7uIG8KYhg

 

 

双子の片方の子は

かなり早いピッチで横に揺れているのに

もう片方の子は比較的ゆったり揺れています。

 

だからどうした！？

という声が聞こえてきそうですが、

これ、音楽的には結構重要です。

 

おなじダンス、同じ揺れ方なのに

そのテンポは違う！

 

そして何より、

赤ちゃんの一番自然で本能的なセンスで

リズムを取っています。

 

なので、どちらのリズムも

とっても自然で無理が無い！

 

実は大人になるとどうしても

 

「リズムはこう感じないといけない！」

とか

「これが正しいリズムだ！」

 

というガチガチのリズム感を

自分で自分に課してしまう傾向があります。

 

でも、この双子たちを見て下さい！

https://youtu.be/to7uIG8KYhg

 

とっても自然で、音楽の楽しさが

そのまま乗り移ったかのような顔で

ダンスしていますよね。

 

まずはこの自然なリズム感が根本にある。

 

その上で、さらにリズム感をシャープにする

練習をするならばＯＫなのです。

 

この順番が逆になってしまうと、

途端にあなたのリズム感は

固くて、柔軟性がなくて、

なにより周りの人のグルーヴを止めてしまう。

 

そんな不自然なリズムになってしまいます。

 

是非あなたの中にある

自然なリズムをもう一度

しっかり見直してみて下さいね。

 

 

今日も一日ガツンと

グルーヴさせていきましょう！

 

一番最短でミュージシャンになる方法！？

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

今回も答えからズバリ行きましょう！

 

【他人に教えるつもりで考動する事】

 

一番最短でミュージシャンになる

方法のコツはこれだけです。

 

そして、ミュージシャンに限らず、

ほかのすべての自己実現で

応用できると思います！

 

 

また、もしかしたら、

同じような事を

きいたことのある人も

多いかもしれません。　

 

 

本当によく言われるコツなのに

大抵の人が実行できないので、

いつまでも言われつづける

コツの一つでもあります。

 

 

例えば、楽器の習得を例に

考えてみます。

 

楽器習得の段階として、

 

１

ただフレーズを知っている

 

２

フレーズをプレイすることはできる

 

３

なぜそうなるのかの理屈はわかる

 

４

他人に説明できるくらい

はっきりと理解しているし

プレイできる！

 

大きく分けると、

物事の習得というのは、

この４つ位の段階に分かれます。

 

 

そして、各段階は

かなりの段差があります！

 

 

多くの人は２止まりなのですが、

３以降の人とは、

その応用力や出てくるサウンド自体が

大きく差を感じれます。

 

 

そして、その最終段階が

「他人に説明できる！」

 

つまり、

分かりやすく教えられる

段階だったりするのです。

 

 

なので、

新しいフレーズや

物事を習う際に、

始めからここを意識しておくと

格段に習得スピードはあがります！

 

 

実際、ジャムセッション講座の生徒で

一番上達が早いのは、

インストラクター候補生です。（笑）

 

 

これは良いか悪いかはおいておいて、

当然といえば当然の結果でしょう。

 

 

もちろん、

教えるのが一番の近道だから、

今すぐだれか捕まえて教えてみろ！

 

 

なんて乱暴な事を言うつもりはありません。

 

 

無理やりやると、

大抵はその人との人間関係を崩します。（苦笑）

 

 

ですが、教えることを念頭に置いて、

物事を習ったり、練習したりするだけで

確実に得られるものが変わってきます！

 

 

また、音楽で飯を食う！

という決断をしたならば、

そこへ行くまでにどんな考動をしたのか？

 

しっかり記録し、

あとから同じようにやれば

あなたも音楽で飯が食えるよ！

 

と自信を持って人に教えられること。

 

はじめからここを目指して、

ライブなり、音源制作なり、

プロモーションをやると、

本当に最短距離で

日の目を見れると思います。

 

ピンと来た人は

ぜひ実践してみてください。

 

ライブがミュージシャンをダメにする！？

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ミュージシャンであるならば。

やはりライブというのが

見せ所の一つであり究極のゴール。

 

ですが、実はこのライブが

ミュージシャンを

ダメにすることもあるのです！

 

 

こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

 

今回のテーマは

 

【ライブがミュージシャンを

　ダメにする！？】

 

です。

 

 

誤解がないように先に言っておきますが、

もちろんライブは楽しいし、

ガンガンやったほうがいいと思います。

 

でも、ちょっと用法、用量を間違えると

途端にミュージシャンの首を締めます。

 

どういうことかというと。

 

 

【大事なライブの後は

　必ずモチベーションが下がるから！】

 

きっと、読者の方の多くも

経験があるんじゃないでしょうか？

 

 

このライブが今の自分の集大成だ！

と気合を入れてやればやるほど、

ライブ前は極端な緊張に苛まれ、

本番が終わるとその後３日くらい

下手したら数週間も

何もやる気が起こらなかったこと。

 

ライブに限らず、

学生時代の受験なども、

勉強を頑張れば頑張るほど、

試験が終わった後は、

気合が抜けて、何もやる気が

起こらなくなったこと。

 

 

と、このように、

人間の心というのは

 

【モチベーションをあげれば

　必ず下がるようにできている！】

 

のです。

 

 

なので、ワールドツアーを回るような

世界的バンドが、そのツアーを終えた後の

長いオフ期間で。

 

メンバーと全然連絡が取れなくなったり、

暴飲暴食で激太りしたり、

アルコール中毒や薬物中毒で

体を壊したり、逮捕されたり…。

 

と、色々な事件が起こりやすいのです！

 

 

と、そんなライブの悪い一面を言われても

ライブやらないわけにはいかないよ！

 

という方も多いとおもいます。

 

 

そこで、提案です。

 

 

【ライブを日常にしてしまえば

　フラットモチベーションでいられる！】

 

ライブをすることは

ミュージシャンならば大いに結構！

 

なのですが、

それを必要以上に特別なものに

自分の中でしてしまうと、

モチベーションの乱高下が起こってしまう。

 

それならば、

ライブをするのは日常茶飯事！

という心構えを作ってしまえば、

モチベーションの上げ下げは無くなるし、

ライブの内容自体も、

心が落ち着くのでよくなります。

 

 

実際、素晴らしいライブプレイヤー

というのは、日常的にステージに立っています。

 

だから、常に一定以上のクオリティで

どんな場所でも演奏することが可能なのです。

 

そして、ライブが終わった直後も

いつもの日課である楽器練習や

トレーニングなどを淡々とこなします。

 

この境地を目指すと、

ライブがあなたの首を絞めることなく、

楽しいライフイベントとなるでしょう！

 

 

とはいえ、僕自身は

駆け出しのころ（今も駆け出しですが　笑）

そんなに頻繁にライブのチャンスなんて

作れなかったので、

毎日のようにセッションしていました！

（大げさじゃなく、

　３６５日の勢いでやっていました。苦笑）

 

ピンときた人は

これも一つのアイデアとして

是非参考にしてみてください。

 

 

ミュージシャンにとって

最高の見せ場であるライブを

最高の形で利用しましょう！

 

よいリハーサルと将棋の意外な関係性！？

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音楽ライブをやる前に

必ずリハーサルとすると思います。

 

特に、最後の最後に全体通して

ゲネプロと呼ばれる通しリハをやります。

 

そのコツについて解説していきます！

 

 

こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

 

リハーサル、

特に「ゲネプロ」と呼ばれる

最終通しリハはコツがあります。

 

 

そして、このコツは意外や意外、

将棋と関係性があります。

 

結論から言うと、

 

【将棋の感想戦を

　ゲネプロでもやろう！】

 

 

どういうことかというと。

 

将棋の世界では、

一度終わった対戦を

もう一度始めから終わりまで

再現して、その手が悪手なのか？

良手なのか？

 

再検討することが通例です。

 

 

そして、将棋の世界では

実際に戦い終わってから

感想戦をやるのですが、

音楽の世界では、

最終通しの「ゲネプロ」で

感想戦をやってしまいます！

 

 

感想戦をゲネプロでやるかやらないかで、

そのライブ本番のクオリティが

はっきり変わってくること請け合い！

 

 

なぜなら、

 

【参加ミュージシャン全員が

　頭の中でライブ全体の流れを

　同じように意識している

　必要があるから！】

 

 

自分のパートだけでなく。

自分の出番だけでなく。

 

常にライブ全体の流れを

バンマスだけではなく、

メンバー全員が把握していること。

 

もっと言うなら、

目をつぶってイメージしたら

みんなで鮮明にその場面が見えること！

 

これはもちろん究極の状況ですが、

そこを目指してゲネプロでは

楽器を使わずに、

進行表だけをみんなで見て

感想戦をやってしまいます。

 

 

普通のリハーサルだと

細かいポイントやアレンジに

意識がいきすぎて

大きな流れが確認できません。

 

 

一度感想戦をやっておくだけで

本当にライブのクオリティが上がりますので、

ピンときた人はぜひお試しください。

 

 

本日もガツンと

グルーヴしていきましょう！

ヒットソングにソロがなくなった理由！？

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

かっこいいギターヒーローが

バリバリのギターソロを間奏でかます！

 

ジャジーなポップスなのに、

途中でゴリゴリのサックスソロ

が度肝を抜く！

 

まるでベースとは思えない

超絶テクを駆使したソロで

観客がひっくり返る！

 

ド派手で長尺なドラムソロが

ライブの途中で絶妙のスパイス

として存在する！

 

 

そんな光景も

今ではトンと見なくなりました。

でもこれにははっきりとした

理由があります！

 

答えから言ってしまうと、

 

【若者が同目線を

　強く求めるようになったから】

 

 

最近ではツイッターなどのSNSで

普通では会うことすら難しい人とも

同じ土俵で話すことが可能になりました。

 

憧れのミュージシャンやアイドルと

ネット上ならば、気軽に挨拶を交わせる。

 

そんなことが日常茶飯事

となっているわけです。

（実際にそうできるかどうかは別に、

　そういうことが可能だと

　多くの人が思っている。）

 

そうなると、良い悪いは別にして、

みんないわゆる「タメ口」になり、

同目線での発言が普通になっていきます。

 

例え相手が、首相や大統領や国王だったとしても

基本的に同じ土俵、同じ目線で

会話をする文化が普通になっていきます。

 

 

すると逆に何が起こるのかというと。

 

【上から目線の表現を

　極端に嫌がります！】

 

 

基本、上から目線の表現が好きな人は

あまり多くないと思いますが。（笑）

 

それでも、上司と部下の関係とか、

なんらかの利害関係があると、

そういう上下がはっきりしていた方が

うまくいく場合も多いです。

 

でも、そんなことは関係なく、

ネットを駆使する若者たちは

誰とでも同目線の方が普通だし、

上から目線の、よく文化がわかっていない奴が

入ってくると強力に拒絶するわけです。

 

案の定ですが。

 

ちょっと楽器が上手い感を醸し出した

長めのソロが入っている曲は

見事にヒットしなくなっています！

 

むしろソロなんてまったくない、

頭から最後まで歌だけに焦点を当てた

編曲の方が、確率的には

ヒットしているように見受けられます。

 

【ヒットソングに

　ソロがなくなった理由は

　若者が同目線を

　強く求めるようになったから！】

 

 

さて、読者の皆さんは

この分析についてどう感じるでしょうか？

 

「だから今の若者はダメなんだ！」

「音楽の何たるかがわかっていない！」

 

なんて思ってしまったあなた。

 

もしかしたら、それこそ思考停止、

他人の夢を奪うドリームキラー的

発想かもしれませんよ！？

 

ぜひ柔軟な頭で捉え、

この現象を面白く利用してみてください。

 

何かいいアイデアが生まれた方は、

ぜひ僕にシェアしてくださいね。

 

一緒に実現していきましょう！

 

バンドメンバー募集の正しい方法！？

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

 

この方法は、バンドメンバーだけでなく、

何らかの組織の人事採用にも

そのまま応用が効く内容なので、

いろいろな角度から

読み進めてみてください。

 

よく、

 

「本気でバンドがやりたいんですけど、

　いいメンバーが集まりません！」

 

と相談を受けます。

 

また、

 

「上手い奴らと組めたんですが、

　すぐ解散しました…。」

 

というご報告も受けます。

 

 

ほんとに多いです！（笑）

 

そして、この手の相談を受けた時に、

僕は必ずこの質問をします。

 

「どうやってそのメンバー

　集めたんですか！？」

 

するとかなりの確率で、

 

「やる気のある奴を中心に集めました！」

 

という返事が返ってきます。

 

 

もちろん、やる気がない人を集めても

ただの強制なので、意味がありません。

 

でも、やる気がある人を集めるのは

一見素晴らしい集め方のように思いますが、

実は高確率の失敗パターンです！

 

じゃ、どうやって集めればいいの！？

と、思いますよね？

 

今回もズバッと答えから行きましょう！

 

【１　考え方を変えられる人。

　２　実際のスキルがある人。

　３　抽象的な発想ができる人。】

 

この3つがそろっている人を集めるのが

最高のバンド、または組織を作るコツです！

 

 

 

【１　考え方を変えられる人。】

 

実はこれが一番のポイント。

 

俺にはこの音楽しかない！

なんて、ジャンル純粋主義だったり、

音楽はこうあるべきだ！とか、

いつも言っている頭の固い人は、

絶対にメンバーに入れてはいけません。

 

また、こういうタイプは

得てして楽器が上手いことが多い。

 

でも、いくら上手くても、

頭の固い人はそこから上には行けません。

 

自分の価値観を変えることのできる

本当に強くて賢い人しか、

実は本気で行動し、成長してはくれないのです。

 

 

 

【２　実際のスキルがある人。】

 

これは簡単ですね。

 

いくらやる気があっても、

現時点で楽器をやっていない人はだめです。

 

なぜなら、本当にやる気があるなら

とっくに楽器なんて始めているからです。

 

音楽の世界はやりたくてやる人が多いので、

実質このパターンはあまりありません。

 

 

が、普通の会社や組織の人事採用だと

意外とここが盲点になりますよね。

 

だって、新卒採用していますから。

 

僕は良い悪いを言うつもりはありませんが、

「普通の」大学生は実働のスキルは

ほとんど持ち合わせていませんよね？

 

人事採用としては、

結構怖いことを日本中でやっているように

僕には思えます。

 

 

 

【３　抽象的な発想ができる人。】

 

例えば、

１　歌詞のあるいわゆる

　　歌ものしか聞かない人。

 

２　歌詞のないインストナンバー

　　しか聞かない人。

 

３　インストも歌ものも

　　両方好んで聞く人。

 

 

これらの人のその後を調べると、

圧倒的に３の人が

プロのミュージシャンになったり、

音楽以外の世界でも何かをやり遂げている

確率が高いです！

（あくまで自分調べですが。）

 

この理由は「抽象化」できるかできないか？

です。

 

 

歌詞は音に言葉を乗せるので、

より具体的に情景や感情をイメージできます。

 

一番わかりやすいので、

多くの人にヒットしやすいのです。

 

 

逆に、楽器だけのインストは、

言葉ほどはっきりとは何かを表現しませんが、

その周りにある細かな感情を

大枠で伝えることができます。

 

どちらかというと、

こちらのほうが「抽象度」が高いですね。

 

 

でも、本当に「抽象度」が高い人は

インストも歌ものも同じくらい好きです！

 

なぜなら、それぞれのエッセンスを

しっかり理解し、抜き取って

理解することができるから。

 

 

究極を言うと、

抽象化することができると、

全ての物事を全ての物事に応用可能です。

 

「一芸は百般に通ず。」

 

なんていう素晴らしいことわざがあるのも

この「抽象化」のお話です。

 

物事の本質をつかむのが早くて、

別のことを極めたら、

これもできるようになっちゃった。

 

こんな人は、

普通の発想の人の

数倍のスピードで成長していきます。

 

なので、「抽象的な発想ができる人。」

をメンバーに入れると、

途中でいい方向に突然化けるのです。

 

 

以上、3つのポイントを意識して

いいメンバーを集めると

本気で楽しいバンドや

組織が出来上がると思います！

 

 

けして、「やる気がある人」

という項目だけで人を雇ったり、

メンバーにしてはいけませんよ！

 

 

それでは今日も１日

ガツンとグルーヴしていきましょう！

 

バンドでのいいスタジオ練習と悪いスタジオ練習の決定的な違い！？

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こんにちは！

セッションインストラクター

の斉藤 彰広です。

 

 

今回は結論から言いましょう。

 

いいスタジオ練習と

悪いスタジオ練習の違いとは、

 

【時間を計っているか、

　いないかの違い！】

 

 

これは、さらに突っ込んで言うならば、

そのバンドがいいバンドであるか

悪いバンドであるか？

そのものにも関わってくる指針です。

 

 

例えば、バンドでスタジオ

に入って練習するとしたら、

どんな項目が思いつくでしょうか？

 

１　楽器のセットアップ

２　ウォーミングアップ

３　譜面と構成の確認

４　初回通し練習

５　部分練習

６　最後にもう一度通し練習。

７　片づけ、完全撤収。

 

こんな流れが一般的でしょうか？

 

 

この時に、まず悪い練習を繰り返している

バンドの特徴は、

 

「半分くらい遅刻してくる。（笑）」

 

この雰囲気が蔓延しているチームは

まずダメです。

 

これはバンドに限らず

会社でもサークルでも

チームでやるときに

遅刻者が多い場合は

同様に結果が出ていない

場合が多いですね。

 

ここまでは最低ラインとして。

 

 

さらに全ての練習項目を

【時間を計ってやること！】

 

これができているバンドやチームは

実はほとんどありません。

 

でも、だまされたと思って

やってみるとむちゃくちゃ効果が出ます！

 

 

 

「いい職人さんは腕時計をしている。」

 

という法則をご存じでしょうか？

 

今では携帯が当たり前になって、

時計をしていなくても、

誰でも気軽に時間を見ることができます。

 

でも、たとえばポケットに入っている

携帯を取り出して、カバーを開け、

時間を見るとすると、

一回にかかる時間は2～5秒はかかりますよね。

 

でも、腕時計なら、コンマ数秒です。

 

これを作業しながら一日に何回確認するのか？

 

一か月だったら何回？

一年だったら？？

 

と考えると、

とんでもない時間をロスしていることが

わかりますよね。

 

こういったところから

いい職人さんはみんな腕時計をしているそうです。

 

 

話を戻します。

 

 

別に腕時計をしなさい。

という話がしたいのではありません。

 

その練習が何分かかるのか？

をしっかり計測しているということは、

 

【より短い時間で

　チャレンジする指針ができる！】

 

ということなのです。

 

 

一つ一つの練習に

現状時間がかかりすぎていても

問題ありません。

 

計測すると、自然と

次回はもっと短い時間で

効果の高い練習を考えよう！

 

という思考になっていくからです。

 

 

そうすると、

同じような効果のバンド練習でも、

依然と半分の時間でできるようになる。

 

そしたら、スタジオを借りる時間を

短くして経費削減、または

個人練習の時間を増やす。

 

はたまた、スタジオは同じ時間借りて、

練習の濃さが倍以上になる！

 

と、そのバンドやチームの状況に合わせて

色々な選択肢が生まれるのです。

 

 

こういう工夫をしているバンドと

ただダラダラ練習をしているバンド。

最悪は遅刻者が半分以上いて練習にならないバンド。

 

 

これらのバンドが

１年後にどういう差になっているのか？

 

みなさんもう明白ですよね。

 

 

いいスタジオ練習と

悪いスタジオ練習の違いとは、

 

【時間を計っているか、

　いないかの違い！】

 

ピンと来た人はぜひチェックしてみてください。

 

今日も一日ガツンと

グルーヴさせていきましょう！