Tag Archives: 大島直樹

FTJS!の大島直樹です！

今回は

奥深く

謎多く

悩める

グルーヴについて！

どのジャンル、どの楽器問わず

追求し始めるとキリがないこのテーマ

ジャムセッション的な切り口から

基本的な

グルーヴ感のあるバンドアンサンブルを言及すると

「リズムキープにこだわらず周りの音を聞いて合わせること」

もうこれが一番です！

リズムキープにこだわり始めると

まず自分自身が

リズムをカウントすること

常に一定のリズムでいようと

過剰なまでに意識がいくようになります

すると周りの楽器リズムの

走りモタリが気になって

リズムの事を知り尽くしているかのように

メンバーに指摘したり！

↑こういう人に限って自分が一番
リズムが怪しかったりする(笑)

バンド全体がハシっているのを

抑え込もうとして

一人だけモタり気味でひたりして

バンドを誘導しようとしたりして

リズムも心もバラバラな状態になります

これも僕の痛々しい体験談です(笑)

リズムを注意される側は

恐怖で伸び伸び演奏できないし

人間関係すら危うくなりそう…

みんなそれぞれが好き勝手なリズムで

引っ張ろうとするので

もはや

グルーヴ感のある演奏になるはずもありません。

生身の人間が演奏しているので

感情や状況によって自然にリズムが

揺れるのは当然のこと

よっぽど幼いころからの英才教育で

リズムの特訓をしてる人でない限り

メトロノームのような超正確なリズムキープは不可能

そんなことよりも

バンドの中でリズムキープの中心となる人に

任せちゃいましょう！

普通のバンド形式だと
ドラムがメインになるでしょうか！

ジャンルや曲のパートや場面によって

ギターになったりピアノになったり

はたまたボーカルだったり様々だと思いますが

メインのリズムキープ役を判断したら

その人のリズムに周りが合わせるように

演奏しましょう！

すると不思議なことに

リズムがキープできているように聞こえますし

最終的に平均的なテンポに戻っていることも多いです！

それぞれがバラバラなリズムキープに励むより

一人に全体が合わせるほうが

グルーブしたまとまった演奏に聴こえます。

リズムキープの大変さは

ドラムを弾くようになって良く分かりました(笑)

神経質に気になりだすと

迷路に入りやすい「リズム」

「周りをよく聞いて、揺れすらも合わせる」

という解釈で

楽しいアンサンブルにしたいものです！

それでは今日はこの辺で！

大島 直樹

FTJS!の大島直樹です。

春らしい麗らかな陽気とは裏腹に

花粉の恐怖に怯える日々を過ごしております（笑）

ということで、今日のテーマいってみましょう！

「ギターとピアノが一緒に伴奏する時のバランス」

についてです！！

これも、もう最初に答えを言ってしまうと

「担当する音域を分担する」です！

例によって僕の

悲しき体験談をまずはお送り致します（笑）

歌ものバンドの時にずいぶん苦しんだ悩みでした

ピアノボーカル

ドラム

ベース

ギター

の四人編成のバンドだったのですが

ギター伴奏がアンサンブルの中で馴染まないんですよ、全然

アンサンブルはごちゃごちゃして聞こえる上に

ギターが浮いてる感じ

言葉で表現しきれないのが残念ですが（笑）

環境のせいかと思ったけど

どのスタジオでも症状は同じ

ライブハウスくらい広くて音が響くところになると

この症状はさらに顕著にでてくる…

この馴染まずにギターが図々しく鳴ってる感じが

ボーカルを邪魔してないか

気になってしょうがない僕は

演奏中ひたすらボリュームの調整に必死

そうなるとプレイも散漫

音色がいけないのかと

アンプのつまみを演奏中
逐一調整するものだから
全く集中できず（笑）

弾き方が悪いのかと

恐る恐る演奏すると

なんだか自信のない

ミスタッチのような演奏になり

そうなるともう踏んだり蹴ったりで
演奏を楽しむとは程遠いところで
地団駄踏んでいました（笑）

この原因が

「音域分担」

ができていないことにありました！

ピアノはもともと

一人で弾き語りしてたときの

低い音域から高い音域まで

幅広くガッツリ使っているアレンジを

そのままバンド演奏に入れ込んでいました

僕は僕で

ギターのローコードを堂々とぶっ放していたので

完全に音域がピアノとギターで被っていて

互いに干渉していたのが原因でした！

そこで必要なのが音域を分けて演奏すること！

ピアノが低中音域でコードを弾いていたら
ギターはちょっと上の高音よりの音選びをする

ギターがローコードを弾いていたら
ピアノが少し上の音域を弾いてあげる

この弾き分けができるだけで

バンドアンサンブルはスッキリ！！

だけど音圧とハーモニーはしっかり出てる！！

そんなサウンドになります！

また

どうしても

その場でアレンジが難しかったりする時は

「弾かない」もしくは「極限までシンプル」

にすることがセッション的アンサンブルのポイントになります！

歌ものバンドであればボーカルも歌いやすく抜けやすいサウンドに

セッションでもソリストがソロをとりやすい

気持ちのいいアンサンブルになります。

また自宅でPCで曲作りやレコーディングを

される方も

この音域の被りを意識してアレンジしてあげると

バランスがよい音源になると思います！

アンサンブルでの調和とれたサウンドの作り方には

他にもいろいろ方法はあるかと思いますが

まずは

「音域の分担」

に注目してみるといいかもしれませんね

ぜひチェックしてみてください！！

大島直樹

FTJS!の大島直樹です！

先日

「打楽器のドラムにも実は音程があるよ！！」

ってお話をさせて頂きました！

今回もこのドラムに関連して

「音抜けの良いバランスのとれたアンサンブル」

のコツについて

解説していきたいと思います！

前回の記事を簡単にまとめると

・バスドラムは低音

・スネアは中音域

・シンバルは高音域

というふうに

ドラムセットは

「全音域を網羅している楽器」

ですよ！っというお話でした。

打楽器であるドラムも

音程楽器として捉えることができます

すると

音程があるがゆえに

他の楽器の音程と

ドラムの音程がぶつかって干渉する！！

ということが起こることがでてきます

特定の音域の音が聞こえずらいなぁ？？

これが、いわゆる「音抜けが悪い」という現象

シンバルは、
音が大きく目立つ高音の為
女性ボーカルやソプラノサックスなどの
高音域のサウンドどぶつかる為
聞こえずずらくなります

ベースの他に

ギターやピアノが

低音域を出し過ぎると

バスドラムの低音とぶつかって

互いに相殺しあいます

すると

バスドラムの音は良く聞こえなくなる上に

低音がモワモワして

なんだか気持ちの悪いアンサンブルになります

僕が昔やっていたロックバンドで

Aメロをちょっと低めに歌う曲を演奏する際

この曲はロックで音圧重視だから！！

といって最初っから

ドラムもシンバル全開で

ギターも歪ませてドカーンと弾いていて

ボーカルの音域をすべての楽器で

覆うようなアレンジにしていました。

そんな事にも気づかずに

なんかＡメロのボーカル聞こえないよね？？

って話になって

それを

マイクのせいだと思い込んで

片っ端からいろんなメーカーのマイクを試したり

スピーカーの性質のせいにしたり

自分達のアレンジを棚にあげて

機材のせいにしてたことがありました（笑）

また最近は自宅のPCで作曲をする時も

過剰に出過ぎている音域をカットすることが

簡単にできてしまいますが

実際のバンドアンサンブルでは

そうはいきません

ジャムセッションでは

ストーリー展開を引っ張る

ソリストの音が聞こえなくなってしまうのは

司令塔がなくなっていまうのも同じ！

ストーリー展開や反応に支障がでてしまいます、

ドラムの各パーツが持っている音域を知り

場面ごとに各楽器が担当する

音域の抜き差しをしてあげることで

ソリストの音を引き立たせて

バランスの良い抜けるバンドサウンドになります

この方法はバンドのアレンジを

考える際にも応用ができると思います。

バンドアンサンブルの音抜けで
悩んだことのある方は

このような観点からアンサンブルを

見なおしてみると解決するかもしれませんので

ぜひ参考にしてみて下さい。

大島直樹

ＦＴＪＳ！の大島直樹です。

そして元メタラーですｗ

そんなメタル少年もいつしか時を経て

セッションや講座でボサノバを演奏するようになりました

お母さんありがとう(笑)

ということで今回は

ボサノバセッションの時の

地味だけど大事なコツについてご紹介したいと思います。

それは

「ベース以外の楽器も、ルートの低音を鳴らしてもＯＫ！」

解説にあたり

まずはボサノバの歴史とハーモニーについて

見ていきましょう！

１９４０年代頃

アメリカで流行っていたジャズのハーモニーと

ブラジルのサンバのリズムがゆっくりになったものが

融合してできた音楽=ボサノバです。

ジャズのハーモニーを継承しているので

コードの横に何だかいろんな記号がついてる

見慣れないコードネームがでてきます

その昔、頭を振ってパワーコードでリフを刻むだけで

ハーモニーとかテンションとかに縁の遠かった僕は

よく目を丸くしたものでした。

「Ｃ△７」は

しー、さんかく　せぶん！？

「Ｃ６９」は

ロックなＣ！？

と心で思っていましたが

本当の読み方を誰かが話すまで

黙っていました(笑)

ボサノバではよく使われる

「テンションコード」

テンションの意味を大まかに

おさらいすると

「コードトーン以外のメジャースケール」

例えばさっきの

「Ｃ６９」

というコード

※理論が苦手な良い子の為に

「Ｃのシックスナインス」と読みます♪

ド　レ　ミのコードトーンに

メジャースケールを

ドから数えて六番目の音「ラ」と
ドから数えて二番目の音の「レ」の一オクターブ上（２+７で９）

を重ねてできたコードです

ピアノやギターで鳴らしてみると

ただのメジャーコード比べて

独特の響きがでるのがよく分かるかと思います！

メジャースケール以外にも

テンションには♭９とか#１１どか

また沢山出てきますが

詳しい解説は今回は割愛(笑)

ボサノバがこのようなテンションコードの

独特な響きを使って表現している

音楽というのが分かって頂ければと思います。

この「テンションコード」の響きを

活かすためには

ルートの低音の音が

必用不可欠です！

他のジャンルでは

ルートの低音を色んな楽器から出してしまうと

他の楽器の音と干渉したりして

サウンドが損なってしまいます

でもボサノバはロック等と違って

「音量のダイナミクスで演奏しない」

というセッションマナーがあります！

その為、基本的にボサノバは

音量が静かめであるため

低音を出してもＯＫ！

むしろテンションが入っている場合は

低音がちゃんとあったほうが

テンション特有の響きが良く現れます

試しに

Ｃ６９コードから

一番低音のドを抜いてみると

途端に響きが薄れるのが

分かるかと思います

テンションを響かせるには

ベースの音が必要！

なので

ボサノバセッションでは低音を出してしまってＯＫ！

だからといって出し過ぎは禁物ですが(笑)

ということで

ボサノバのハーモニーを楽しむ為の

セッション的プチポイント

「ベース意外の楽器も、ルートの低音を鳴らしてもＯＫ！」

でした！

元メタラー目線から見た

小っちゃいけど

今まで分からなかった

いろんなジャンルの

気付きを今後もご紹介していけたらと思います

どうぞお楽しみに！

ＦＴＪＳ！大島直樹

FTJS!大島直樹です。

今日はみんな大好きメジャースケールのお話です！

まずは今まで僕がしてきた

アドリブ向きじゃない

反面スケール練習法をご紹介します（笑）

その１：３オクターブ分くらい下から一気に駆け上がる、そして一気に下ってくる

その２：なぜか超高速(笑)←テンポ１４０の六連符とかに挑戦してました…

その３：視覚的にポジションを覚えるためだけにやっている

その４：スケール練習という「フレーズ」を指の筋肉運動を記憶するために反復している

今こうやって羅列して冷静に見てみると

アドリブ的要素が全くないのがよく分かりますが(笑)

当時はこの練習がどういうことに繋がるのか

よく分からずにただ反復してました

ご想像の通り

この練習を繰り返しても

キーとか自分が何の音弾いてるのか
さっぱり分からない！

覚えたスケールの練習パターンそのまま
無理やりアドリブにぶっこむので
不自然なフレーズになる

ポジションと指の動きで記憶してるので
キーが変わるとまったく対応できず
その場で石化する

頭の中で全然鳴ってない音を
手癖で弾いてしまう

アドリブと言われると

何もできず

何となくスケール上下行き来して

手癖を適当にぶち込んで

それとなく合ってる音を連打して

アドリブ終了

お疲れ様でした(笑)

そんな奴でした

では、セッション的スケール練習はというと

１【１オクターブ内におさめる】

１オクターブ以上になると音の選択肢が多すぎます

不思議なもので誰に言われたわけでもないのに

すべての音を使わなきゃ！

という義務感が産まれます

広い範囲で音を使おうと

スケールをただ上下するだけの

「運動」になってしまうので

まずは使う音域を限定しましょう！

２【ゆっくり弾く】

これは何かというと

音をちゃんと聞こうということです！

実はスケールの中の音は

それぞれ色や特徴を性質を持っています！

例えば
ドレミファソラシドと鳴らしていく中で

シで音を止めてみると

すごくドへ向かいたくなる感じがあったり

スケールの中心の音鳴らしながら
(キーがCならド)

ミを一緒にならすと明るい感じがする

ソは開けた感じがする

ラは寂しい感じ

とか

それぞれの音をポジションや筋肉の運動ではなくて

「イメージ」で記憶しましょう

３【スケールを数字で覚える】

これは何度かこれジャムの中でも登場したことのある

「ナンバリングシステム」

Cメジャースケールだったら

ドレミファソラシドに１２３４５６７と数字を

付けましょうという話

数字で覚えておくと１からどれだけ離れているか
というイメージがしやすくなりますし

実はキーが変わっても

数字で覚えた各音の特性や色は変わりません

例えばキーがGだと

１２３４５６７→ソ　ラ　シ　ド　レ　ミ　ファ＃

になっても７の音が１へ向かいたくなる性質や

そのままですので

音のイメージをそのまま違うキーにも転用できます！

【音域を絞って、ゆっくり音の性質を聞きながら弾く】

こうすることによって

ただの音の羅列でしかなかった

スケールが色鮮やかにカラフルに聞こえてきます

頭の中で鳴った音のイメージと

筋肉の動きが連動し始めるので

スケール練習がアドリブに直結してきます！

リズム隊の方もぜひ

このような音の聞き方をしてみると

セッション中にソリストが

どんなフレージングをしているのか

聴こえ方が変わってくると思いますで

ぜひ試してみて下さいね！

大島直樹

ＦＴＪＳ！の大島直樹です。

音楽をやってる人って

面白い人
ちょっと変わってる人
変な人

が多い！！

一概には言えませんが

そんなようなイメージが
一般的にあるような気がします。

個性的な人が集まる
バンドやセッションでは

それぞれの主張や
音楽性の理想を追い求めて
人間関係のすったもんだがあるのも事実

僕も

「サポート」という役割で

でいろんな人の演奏のお手伝いを

させていただいてた時は

リーダーや依頼者の

強烈な「我」が押し迫ってくる

時がもちろんありました。

良い演奏で音楽を良くした

音楽をやりたい

そう思って集まったのに

より良く運営したり

表現方法を知らないものだから

終いにはいつの間にか

音源を用意して

メンバー全員にに送って

スケジュール管理して

新曲の譜面を書き起こして

郵送して

スタジオの予約して

遅刻者の生活指導して

なんてことまで

そんな約束してないぞ！？

なんてモヤモヤする事も(笑)

自分の主張を

押し通そうとする度に

振り回されて

周りの人の心がだんだん離れていくのを

よく目の当りにしたものでした

主張や我が強い人に限って

とても不器用で

素直じゃなくて

イノシシみたいに

あちこちに

激突しながら進んで行くから

放っておけなくて(笑)

何でそんなに

周りに迷惑や面倒をばらまきながらも
音楽を貫き通そうとするのか

不思議なものでした。

それが良いか悪いかはここでは言及しません

でも

サポートに徹した僕自身の

「我」が蔑ろにされたかと言ったら

実はそうでもありませんでした

自分の自己表現の為に

自由に素直に演奏できる

環境をサポートされた側は

サポートしてくれた側の表現も

認めてくれていたように思います。

セッションでも

やたら演奏したがりで
主張の激しい人と一緒に
演奏するときは

笑顔とアイコンタクトで

気持ちよく演奏できる

環境を演出してあげることで

各々の個性が素敵にサウンドし始めます

個性を認めて

個性を活かす

サポートをすることで

自然と自分の我を

音楽的に主張できることができる

音楽の中での主張の通し方は

実は譜面や音だけじゃない

そんなことを学ばせていただいた経験でした

バンド内での

自分の表現が分からない方や

人間関係でのお悩みの方に

ちょっとでも参考になれば嬉しいです。

大島直樹